¿Qué tiene 'Slumdog Millionaire'?

En plena temporada de premios y demás parafernalia, no se para de hablar de una de las películas del año que acaba de finalizar, 'Slumdog Millionaire'. Conquistando crítica y público haya por dónde va pisando, la película no deja de generar debate y torbellinos de pensamientos. Y es que a pesar de su sencillo argumento, un joven que va al programa "¿Quién quiere ser millonario?" de India para llamar la atención de su amor de toda la vida, la verdad es que esconde una gran cantidad de detalles e ideas muy pero que muy interesantes.

Como se comentaba hace poco esta película y su resultado final sólo la podría haber hecho un director occidental. Y es que el film representa la cara más dura y pobre de India. Mientras que las producciones de Bollywood se centran en mundos ideales y llenos de danza y alegría, aquí nos damos de frente con la realidad de la mayoría de los habitantes de este país. Y aunque no es un relato crudo en sí, combina de forma perfecta una banda sonora potente y muy presente (siendo un homenaje a Bollywood a su vez) con escenas de tremendo realismo.

Si por algo se ha caracterizado el cine proveniente de India es por transmitir una realidad que no existe y que cae una y otra vez en los clichés y encasillamientos. Pero gracias a Danny Boyle tenemos un relato veraz y a la vez bien contado.

Aunque eso no quita que el final nos deje buen sabor de boca, formando parte del juego del director. Administrando de forma perfecta los diferentes episodios de la vida del protagonista hasta alcanzar el clímax de forma perfecta, el director lanza su mensaje de "se puede hacer una película que muestra la realidad pero con final feliz y así tranmitir buenas vibraciones al personal". Y es que lo aceptemos o no, a todos nos gusta los finales felices.

Pero algo de lo que se ha hablado mucho es del trabajo de sus actores. Actuar con niños no es fácil y aquí los hay y muchos. De hecho la mayor parte de la película se centra en dos jovencitos (uno de ellos nuestro protagonista de pequeño) que se ven obligados a trabajar desde antes de dejar de jugar. La simpatía que generan, su humanidad, sinceridad y cercanía provocan la complicidad del espectador, logrando que antes de la primera media hora ya estemos sumergidos completamente en la historia.

Por esta y por muchas otras, 'Slumdog Millionaire' se está convirtiendo en la película de la que todos hablan. Y con razón, porque para un servidor es un producto perfecto: porque entretiene y por su belleza estética.

Premio a la mejor pareja del 2.008

Porque a veces pocas palabras dicen mucho...

Premio a la obra de arte del 2.008

Wong Kar Wai nos regala otra delicia. Cada fotograma, una obra de arte.

Premio a la escena ridícula del 2.008

Nuestro amigo Shyamalan se marca una película para provocar al personal como de costumbre, pero esta escena es imperdonable.

Premio a la película tonta del 2.008 pretendiendo ser inteligente

Pues sí, su guión super-mega-inteligente-sólo-apto-para-empollones-que-sueñan-con-estudiar-en-Oxford no sólo no tiene sentido, sino que insulta nuestra inteligencia como espectadores. Se lo merece con nota. Ahora eso sí, ¿qué habrá visto Leonor Watling en Elijah Wood?

Movie Review: Frost/Nixon (Ron Howard, 2008)

El poder de un plano corto de no más de 8 segundos es incanculable. En la sociedad en la que vivimos, una simple toma en un momento crítico puede tener más poder que jueces, abogados y gobernantes. Y si no, que se lo pregunten al ex-presidente norteamericano Nixon. La humillación pública vivida en las famosas entrevistas con el presentador (que no periodista) David Frost le valieron de castigo por todos sus pecados como presidente, castigo que no había recibido de la ley y ni siquiera de su sucesor.

Es por ello que un sobrio y contenido Ron Howard nos desgrana paso a paso el proceso que culminó en la rueda de entrevistas al ex-presidente Nixon. Con la habilidad de hacer interesante algo que a primera vista no lo es, y es que no a todo el mundo le interesa el proceso de investigación anterior a entrevistas de este calibre. Pero estamos ante algo distinto, como sucediera en 'JFK', la tensión se mantiene durante toda la cinta, como si el dramático final fuera empujando el devenir de los acontecimientos buscando su culminación.

Que este tipo de películas se sustentan en grandes interpretaciones es ya una tradición, pero así es, Frank Langella, a pesar de intentar imitar al original, le aporta su toque original, hace suyo el personaje y comunica con gestos de la cara y movimientos el proceso emocional por el que vive el personaje.

Y sí, a través de la mirada y expresión de la cara podemos llegar a comprender el transfondo emocional de una persona, pero eso se multiplica por cien veces cuando esa cara es tomada en primer plano por una cámara y retransmitida a millones de personas. Y es que la televisión es muy poderosa.

Movie Review: Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen, 2008)

Que Vicky Cristina Barcelona es un descarado documental turístico sobre Barcelona, es de dominio público a estas alturas. Lugares comunes, estereotipos muy estereotípicos y unas ganas inusitada de enseñar una ciudad (y de refilón otra, Oviedo), que dejan al espectador medio Europeo con ganas de mucho más.

Y quizás el punto más débil de esta película no sea el hecho que quizás con buenas intenciones se quieran enseñar lugares maravillosos, sino el hecho de que entre tanta localización ideal no hay una historia consistente de transfrondo. Las aventuras de nuestros cuatro protagonistas no llegan lo suficiente para calificar esta obra como de interesante o con algo de transcendencia.

Lugares idílicos, tocadores de guitarras que tocan bellas melodías en las plazas (que por cierto, yo nunca he visto ninguno) que reflejan a la perfección lo que ésta película es: un conjunto de esterotipos vacío y sin sentido. Quizás se salve la actuación de Rebbeca Hall, para la mayoría una gran desconocida, y que al menos nuestro querido director ha tenido la habilidad de descubrir.

Curiosamente, una de las películas de Allen que más hayan gustado en Estados Unidos, quizás porque se acerca demasiado al gusto del turista norteamericano que se queda fascinado con la vida en España, pero que al resto de los mortales nos deja con un agrío sabor de boca, pensando que el talento invertido en el cast no se ha sabido reflejar en la pantalla, raro en Allen.

Si soy sincero, no lo conozco, acepto que evolucione y que cambie, pero en esta ocasión ha perdido hasta el trasfondo. En esta ocasión no me hago dilemas morales, no me pongo en la piel de los personajes, veo indiferente las aventuras y desventuras de cuatro pobrecitos que no tienen otra cosa que hacer. ¿Seré yo o es que Allen ya no es el que era?

Movie Review: Elegy (Isabel Coixet, 2008)

Vivimos en lo que muchos llaman la generación del "usar y tirar" y esto desgraciadamente se traduce a las relaciones de pareja. Muchos, en una contínua búsqueda de la satisfacción instantánea, de las emociones fuertes, van saltando de una relación a otra con el motivo escondido de no sertirte sólos. Aunque también los hace sentirse seguros, incluso con cierto poder... hasta que el amor verdadero hace que todo su mundo se desplome.

Y es que en esta versión libre del libro de Philip Roth "The Dying Animal" echa por la maravillosa, Isabel Coixet, se nos brinda una reflexión sobre cómo nos tomamos las relaciones de pareja, cómo nos afectan en el presente, pero sobretodo cómo nos afectan en el futuro.

De pulso de cámara calmado, ritmo lento y poético, y banda sonora dónde suenan piezas de piano compuestas por Beethoven y Chopin. Todo ello orientado para que las inseguridades del protagonista pasen a ser nuestras y sus reflexiones pasen a ser nuestras propias reflexiones. ¡Qué infantiles podemos llegar a ser los adultos!

Quizás no la mejor obra de la directora y claramente enfocada al mercado norteamericano, pero aún así Elegy se convierta en una pieza muy recomendable. Una pieza que no puede evitar convertirse en parte de nuestras propias vidas.

Movie Review: Get Smart (Peter Segal, 2008)

Hay que ver lo que añora uno los viejos tiempos, esas puertas cerrándose mientras ese SuperAgente 86 entraba decidido hacía su despacho ultra-secreto forman parte de la memoría colectiva. Uno no puede resistir la tentación de volver a aquellos tiempos cuando ve esta versión cinematográfica, pero no porque nos la recuerde, en absoluto, sino porque uno no puede remediar añorar lo buena que era la serie en comparación con este desastre llamado "Get Smart" (en versión original, claro).

Por no quedar, no queda ni el espíritu que impregnó a la serie de los 60, ese humor absurdo pero inteligentemente calculado que convertía a Maxwell Smart en un detective inocente y hasta veces estúpido pero cuya interpretación lo convirtieron en un genio de la comedia. Esto se ha sustituido por efectos especiales, algo de acción y actuaciones que rozan lo ridículo, pero de malo. Ahora, eso sí, los malos son claramente reconocibles...

Y bueno para los que añoran la serie original, un regalito, qué tiempos!!!

Movie Review: "Away form Her" (Sarah Polley, 2006)

En los más asentados y longevos matrimonios las palabras sirven de poco; los gestos, las miradas y el brillo de los ojos sustituyen al lenguaje hablado. Sólo una mirada sirve para dar a conocer los sentimientos más profundos, o sólo el resoplo de uno de ellos sirve para que el otro adivine lo que siente. En estos casos lo más doloroso es, evidentemente, la separación, y más aún cuando uno de los dos comienza a perder la memoria.

Pues todo esto se siente y se palpa en esta obra maestra dirigida por la hasta ahora actriz fetiche de Isabel Coixet, Sarah Polley. Todo un ejercicio de pasividad, de diálogos no hablados y de dos interpretaciones fabulosas, especialmente en lo que toca a Julie Christie, hacía tiempo que no veía una interpretación en la que lo último que me venía a la cabeza era que estaba interpretando. Sus gestos, movimientos, miradas, silencios y vacíos de guión son simplemente geniales, lástima que La Academia no pensara lo mismo...

Quizás el mérito se lo deba a la directora, que ha sabido crear una obra con personalidad, y sin necesidad de ser comparada con Bergman, en lo que es un ejercicio de temperamento, solidez y calidad detrás de la cámara. Sin duda una muy buena manera de comenzar una carrera como realizadora.

Y es que si en los matrimonios duraderos no hacen falta las palabras para el entendimiento, en esta película no hacen falta las palabras para transmitir el dolor más profundo que alguien que es amado pueda sentir, el alejarse de esa persona a quién le debe la vida.

Mi valoración: 9

Esto es lo que queremos (Hot Fuzz, Edgar Wright, 2007)

Que detrás de la apacibilidad de una hermosa villa inglesa hay pertubadores secretos, es algo muy conocido por todos, y que a veces la comedia inglesa nos regala alguna joya, tampoco es un secreto para la mayoría, pero lo que hace a ésta película peliculiar es su sentido del humor no apto para los que necesitan 20 minutos de pre-broma. Es fino, irónico y sobre todo rápido, si no estás atento, te lo pierdes.

Siendo una parodia de películas de acción tipo Bad Boys II, sobretodo sólo en su inteligente y electrizante final, Hot Fuzz se convierte en una autocrítica nacional fácil de digerir y sin recurrir a ningún tópico ni broma grosera. Su disección de la vida en las pequeñas pedanías inglesas es sencillamente genial, y que decir de la manera de "resolver" las situaciones en las mismas e incluso se atreve con problemas a escala nacional, como la popularidad del consumo de alcohol en los más jóvenes.

Es imposible no pasarselo en grande con ella, si no es el montaje endiablado, son las escenas de acción o los golpes geniales de humor, centrado en pequeños detalles. Calificada como 'Western' moderno, Hot Fuzz asegura un buen rato de diversión y cine hecho con inteligencia y descaro, absoluto descaro el de su director, que ya en su día dio la campanada con Zombies Party.

Mi valoración: 8,75

Una mirada al interior (Angel-A, Luc Besson, 2005)

Mirando a la profundidad del vacío de nuestro interior, no nos damos cuenta de la belleza del paisaje exterior, incluso si lo que hay fuera es la hermosa París, la oscuridad eclipsa todo lo demás. Quizás por eso necesitemos a un angel, un angel que cambie nuestra vida, que cure nuestras heridas, que nos enseñe a mirarnos al espejo. No importa si ese ángel no conoce su pasado ni su propia identidad, su presencia lo cambia todo.

Ya hemos pasado por ahí antes, pero ahora todo se ve con otros ojos, los puentes sobre el río Sena, la catedral de Notre-Dame, la Torre Eiffel e incluso la luna, ahora todo es mucho más bello, a pesar de seguir siendo un mundo en blanco y negro. Saltar del mismo puente por segunda vez significará un nuevo comienzo, aquel dónde por fin podremos mirarnos al espejo.

Valoración: 7,5

Lo mejor: Su cuidada fotografía y momentos resueltos con hermosos diálogos.
Lo peor: A veces infatil y a veces grotesca.

Movie Review: Juno (Jason Reitman, 2007)

En el mundo en que vivimos, las posibilidades de vida de una recién concebida criatura por una madre de 16 años, soltera y en la Escuela Secundaria, son impactatemente escasas. La mayor parte de la sociedad occidental ha convertido los embarazos no deseados en algo parecido a lo que ha hecho con la comida: una basura. Pero, afortunadamente, esta película no es ninguna basura. Su naturalidad es sencillamente abrumadora. Y es cierto, cuando comenzamos a verla pensamos que estamos ante la típica peli indie americana sobre los "frikies" y sus historias, pero no, lejos de ello, la historia nos llega, penetra en nosotros, sufrimos, reímos y lloramos con una increíble Ellen Page. Y es que al igual que "Superbad" (paso del título en español) quería reflejar, los "frikies" también tienen sentimientos, y casualmente esos sentimientos son similares a los nuestros, conclusión: todos somos seres humanos que vivimos, sufrimos y sentimos de la misma forma.

No hay tremendismos, solo naturalidad y fina ironía, que hace que nos ríamos de las situaciones más embarazosas, aunque sin dejar a un lado los sentimientos envueltos en una historia de estas características. Los personajes son construidos con cariño, con sensibilidad, con líneas de guión brillantes e inteligentes. Lo que provoca que Jennifer Garner se ría de sus habituales papeles ñoños o que J.K. Simmons y Allison Janney brillen en los pocos minutos que tienen en pantalla

Mención especial tiene la banda sonora, deliciosamente psicodélica, adictiva diría, llena de un aroma indie especial, que encaja perfectamente en cada momento de la historia, y que como comentaba una columnista del diario británico "The Guardian", es de esas películas que te marcan con sus bandas sonoras, que podrías identificar con momentos específicos de tu vida, y que nos introduce en el humor de los Moldy Peaches, una banda neoyorkina fundada en 2004 que merece la pena descubrir. Kinya Dawson, compositora y 50% de la banda es la encargada de seleccionar esta banda sonora, a ella tenemos que agradecer que no haya regalado una selección de canciones que probablemente jamás olvidaremos.

Quizás la mejor comedia (¿o debo decir drama?) del pasado 2007, Juno es lo que una pequeña criatura recién concebida es: pequeña y aparentemente sin importancia pero llena de energía y vitalidad, solo necesita una oportunidad.

Mi valoración: 8,75

Movie Review: Marie-Antoinette - Sofia Coppola (2006)

Ser una directora de sensaciones más que de historias le está costando a Sofia Coppola el desagrado de muchos, aunque eso y en vista de quién está detrás (el papi), como que le da exactamente igual. La historia en éste caso sólo sirve de excusa para transmitirnos lo que sentía una niña obligada a casarse con el futuro rey de Francia, mimada por su entorno, encerrada en una cárcel de tradiciones y un futuro no muy halagüeño en vista del poco interés de su marido a procrear.

Creando una atmósfera dónde los tonos pasteles hacen su agosto y cuyo vestuario es digno del Oscar que recibió, la pequeña Coppola logra su objetivo: mostrar la decadencia de Versalles y el refugio en las diversiones y excesos de una reina como escape a las presiones que tenía encima. Escenas en las que el tratamiento de la fotografía y la banda sonora electrónica transmiten en el espectador la misma soledad y desconcierto que la protagonista estaba sufriendo, logrando en algunas de ellas una belleza sublime.

Aunque, por otro lado, la fórmula se le antoja a la directora algo repetitiva provocando una sensación de "deja vú" en el espectador que ya disfrutara con las "Vírgenes suicidas" y "Lost in translation". Es por ello, que si bien no deja de transmitir sensaciones a través de imágenes, cuando sentimos que vemos otra vez lo mismo, ya no es tan excitante o tan emocionante, tirando por los suelos el factor sorpresa.

Sus guiños canallas como la inclusión en una escena de las zapatillas Converse mientras suena de fondo el tema "I want candy", dejan bien claro que los detalles pretendidamente rebeldes son más importantes que historia pura y dura. Su final (criticado por muchos) resulta coherente con el conjunto, mostrándonos su abandono de todo ese mundo de excesos y desenfrenos, en una de las mejores escenas de la película, en lugar de su muerte. Resultando, por tanto, en una película pastelosa, superficial e inócua, como la misma reina que en este pseudo-retrato Sofia Coppola nos ha pintado, y, siéntondolo mucho, a mí me encanta cómo lo hace.

Mi valoración: 7

Neil Young - Heart of gold (2006)

Neil Young es un hombre de música pura, no le va nada que parezca enlatado, las grabaciones por pistas y luego retocadas en estudio, y detesta todo lo que huela a comercial. Sus grabaciones destilan cariño y entrega a una música que ha sido su vida desde que tiene uso de razón, dándo como resultados discos dónde lo único que separa al artista del oyente es una pequeña caja acústica.

Ver a Neil Young en directo es todo un privilegio, evidentemente pocas veces lo tendremos cerca, pero gracias a este documental podemos disfrutarlo como si estuviera en frente nuestra. Volviendo a Nashville (Alabama), la cuna del auténtico country-rock, del que Neil Young es uno de los pioneros desde que colaborara con Bufallo Springfield; Young se reúne con un grupo de amigos, dónde la amistad y la confianza que hay entre ellos se trasladan a las notas musicales, destilando aroma sureño por todos los rincones del teatro.

Todo ello aderezado con un excelente trabajo de dirección y fotografía, transmitiendo en imágenes a la perfección todo el aire que se podía respirar en ese momento. Disfrute para aquellos que aman la buena música, música elaborada con cariño y meticulosidad, para disfrutar lentamente y saborear todo su potencial.

Mi valoración: 8

Movie Review: Last Days - Gus Van Sant (2005)

La presión de una estrella de rock puede llegar a ser desesperante, después de una vida de locuras y desenfrenos, el éxito pide su pago correspondiente, y cuando eso llega pocos son los que aguantan con entereza. Esa desesperación lleva a muchas estrellas a aislarse por completo del mundo que les rodea, a evadirse de una realidad que les supera y les aplasta como su fuera una apisonadora, terminando en algunos casos en tragedia.

Gus Van Sant ha dado un nuevo giro de tuerca a esto que llamamos cine, y concretamente a los 'biopics', su estilo semidocumental y en permanente contacto con sus protagonista incluso cuando mata las moscas que le rodean, provoca en el espectador la sensación de que está viviendo con él, que comparte sus momentos más banales. Evidentemente esto es un arma de doble filo que puede gustar más o menos, pero no deja indiferente a nadie.

Por ello, de lo que no hay duda es de la tremenda calidad artística de esta obra, la cámara se mueve con mimo alrededor del artista, lo adora, lo reverencia, y todo a pesar de su pésima condición y estado. Difícilmente veremos imágenes tan bellas de una condición tan deplorable. Sus encuentros con la naturaleza no son más que el deseo de encontrar un sentido a una existencia que se antoja imposible, de sentirse libre, alejado del mundo. Encuentros narrados de forma pausada y tranquila, reflejando toda la calma y armonía que la naturaleza aporta al protagonista. Por lo tanto, asistimos a lo que se convierte en un monólogo interior, a susurros reflexivos que esbozaban la que sería su última y más desgarradora canción.

Lástima que el espectador nunca entre en la escena, no se pretende, pero el que no se cuente con nosotros para nada puede pagarse caro. Hay momentos en los que sientes que todo lo que estás viendo sobra, que está demás, que es innecesario o que estás perdiendo el tiempo. Y es que este film termina siendo (al menos para un servidor) bueno como ejercicio artístico pero nulo como película.

Somos testigos de la decadencia de un artista, que si bien no necesita contarnos su vida tan sabida ya por muchos, termina en una desgracia también sabida, y si lo que hay en medio no nos aporta mucho, al final ¿qué nos queda? Imágenes, escenas o movimientos de cámara llenos de sensibilidad, una canción cantada por el artista con los bellos de punta y quizás una frase, en un contexto totalmente surrealista, para la posteridad: "¿El éxito? El éxito es subjetivo"

Muchos dirán que eso es lo máximo que se le puede pedir a una película, pero el que suscribe espera algo más, espera transcendencia en las imágenes, que cuando termine de verla reflexione en lo que acaba de ver y se regocije en su argumento, en sus diálogos. Y es que esta película, siendo lo que es: una OBRA DE ARTE CONTEMPORÁNEO, depende de los ojos con que se vean.

Mi valoración: 5

Desayunando con diamantes en Nueva York

Si no hubiese visto Desayuno con diamantes antes de viajar a Nueva York, mi encuentro con Tiffany's no hubiese sido el mismo. No me habría parado en ese pequeño escaparate contrastando con la gigantesca fachada sin apenas ventanas a contemplar esos hermosos diamantes que con tan buen gusto están decorados. No habría reflejado mis ilusiones y esperanzas en un acto tan aparentemente banal, pero cargado de significado, y es que aunque pequeño, ese escaparate constituye por momentos aquello que más deseamos pero que dificílmente obtenemos.

Y no me refiero a meras joyas, que al fin y al cabo son un lujo efímero, me refiero a algo tan simple como los sueños. Sueños inalcanzables, irrealizables, como unos caros diamantes para esa jovencita que vivía de sus amoríos, pero que nos mantienen con ilusión, preserva en nosotros esa inocencia casi infantil y nos aleja de toda ese hastío y hartazgo que el mundo en el que vivimos nos pueda transmitir.

Todo lo que queremos está al alcance de nuestra mano, lástima que siempre encontramos un cristal de metacrilato que lo separa, convirtiendo una y otra vez, y por más que nos paramos delante, en imposible de alcanzar.

Esa 5ª avenida constituía en el momento de mi caminar por ella la vía de acceso a todos esos sueños, el camino que me llevaría a ellos, y eso que cuando yo caminaba había demasiada gente, quizás muchos ya conocen el camino y quieren caminar por él. Por ello me costaba imaginar esa avenida vacía, sin nadie caminando por ella, esperando que llegara ese solitario taxi amarillo para pararse delante del escaparate de las ilusiones.

Quizás todos mis sueños nunca se realicen, pero al menos vivo contemplándolos detrás del cristal.

Movie Review: Shrek Tercero - Chris Miller (2007)

Hollywood, especialista en exprimir sus productos hasta la saciedad, lo ha vuelto a conseguir: ha creado una secuela sosa, sin gracia ni chispa, no se sabe muy bien destinada a quién, si a los niños o a los mayores, con la única intención de seguir aprovechándose de la gallina de los huevos de oro.

Si algo tiene de bueno Shrek Tercero (y no Shrek 3), es su factura técnica, la Dreamworks se ha esmerado en elaborar lo que podríamos calificar cómo el trabajo más impecable artísticamente de la saga, con grandes niveles de detalles y belleza en algunas tomas. Lástima que todo sólo sea parte de un envoltorio cuyo contenido está totalmente vacío.

Si por algo se caracterizaba la primera entrega de Shrek fue por su fino humor e ironía, cosa que exagerado pero tronchante en la segunda parte, en la tercera se ha esfumado completamente. No hay gracia, no hay chistes con dobles sentidos, pero lo más alarmante es que ni a los niños les gusta, ni siquiera el humor escatológico termina de arrancar carcajadas a los más pequeños. Termina convertiéndose en otro cuento con moralina más, propio de la factoría Disney, más que lo que se propuso ser en un principio, una alternativa canalla a los cuentos de hadas.

Asno ha perdido la chispa y ese toque de "pesadito" que tenía, parece que las obligaciones familiares le han hecho asentar la cabeza. El gato con botas se ha convertido en una parodia de sí mismo, teniendo que hacer gracia cada vez que abre la boca, cuando tiene muy poquita. Y el ogro Shrek, ni es tan ogro, ni es tan gruñón, ni siquiera irónico, será que su amada lo ha ablandado. Por lo tanto ¿qué nos queda? Una pequeña crítica a las princesas de los cuentos de hadas, con Blancanieves como la más resultona y poco, o poquísimo más.

Cuando la cosa no podía ir a peor, resulta que nos dejan la puerta abierta a una cuarta entrega, ¿serán capaz de enmendar esta metedura de pata? Difícil lo veo, y es que esta gallina parece que ya está bastante exprimida.

Mi valoración de la saga:
Shrek 1 - 9
Shrek 2 - 8
Shrek 3 - 3

Movie Review: Blade Runner - Ridley Scott (1982)

Roy Batty, un "replicante" que amaba la vida más que los mismos humanos terminaba así su paso por el mundo de los vivos sin que muchas de sus preguntas hayan sido contestadas. Y es que si algo nos diferencia del resto de seres vivos, es que nos formulamos preguntas sobre el porqué de nuestra existencia, el sentido de nuestra vida o cómo será nuestro futuro, pero en la mayoría de los casos morimos sin encontrar respuesta a tantos interrogantes.

Y aunque es cierto que Blade Runner es una versión libre de la obra en la que se basa, no deja de perder su esencia: los deseos, anhelos e interrogantes del ser humano reflejados en unos replicantes más humanos que los mismos humanos, constituyéndose de esta forma en una perfecta radiografía de lo que sucede en nuestro interior, en un reflejo de lo más profundo de nuestro ser, de lo que nos diferencia del resto de seres vivos.

Tenemos conciencia de que existimos, y ésto nos lleva a plantearnos preguntas sobre la misma, preguntas que en la película para los humanos parecen estar contestadas (o están aburridos de buscarlas sin éxito) pero no para los "replicantes", cuya existencia es muy reciente y son los que ahora se plantean los mismos interrogantes que el resto de la humanidad se ha hecho por siglos. Todo esto lo logra gracias a su atmosfera humecida por la lluvia, dónde apenas se ve el sol, su estética "ciberpunk", mezclando tecnología y existencia marginal, y su magnífica banda sonora compuesta por Vangelis (por sí misma se merece otro comentario), que nos hace sumergirnos en lo más profundo de nosotros mismos, llegándonos a plantearnos las mismas cuestiones que sus protagonistas.

Pero sí por algo destaca Blade Runner es por la atemporalidad de sus naturaleza: pasado, presente y futuro se funden en un mismo conjunto que se conforma perfecto en forma y contenido. Se acerca al pasado a través de referencias literarias, bien biblícas, bien de la poesía de William Blake, a través de simbolismos religiosos, o referencias dramáticas del más puro cine clásico y negro. Y se acerca al futuro dónde la alta tecnología resplandece, si bien el resto es decante, viejo y marginal.

Si a esto le unimos las implicaciones éticas del dominino de la ingenieria genética, el alto grado de paranoia, los diferentes reflejos de diferentes aspectos de la sociedad norteamericana de los 80 (en esa época se predecía el dominio de la economía japonesa sobre la norteamericana, de ahí el predominio de la cultura asiática en anuncios y que todos los científicos provengan de allí) o los problemas de movimientos de población; tenemos ante nosotros una de las obras de ciencia-ficción más completas de la historia, y cuyo guión (a pesar de los cambios de guionista) ha sido elaborado de forma perfecta y sin fisuras.

Como bien predijo Philip K. Dick poco antes de morir, Blade Runner cambiaría la manera de ver películas, y así ha sido, se ha convertido en un clásico inmortal desde su nacimiento, una obra de referencia para directores y creadores fascinados por una obra tan perfecta, y a pesar de las reticencias de crítica y público en su momento, el tiempo le ha dado lo que se merecía: un lugar en el olimpo de los inmortales. Finalmente, tanto la película como su esencia no se ha diluido en lágrimas de lluvia, cómo predecía el replicante Roy Batty, sino todo lo contario, se ha mantenido viva y le quedan muchos años por delante, consituyéndose en un canto a la vida que perdurará para siempre.

Y es que gracias a esta película cuando termine de escribir estas líneas, abriré el cajón dónde tengo guardadas mis fotos y me pondré a contemplar todos esos recuerdos y sentimientos envueltos en ellos, para nuevamente sentirme vivo. Gracias Blade Runner.

Mi valoración: 10

(Esta crítica es fruto de la primera de muchas colaboraciones entre este blog y Nataliabook, un club de lectura dónde cada mes y medio se propone la lectura de un libro y su correspondiente versión cinematográfica, no se lo pierdan)

Movie Review: Intacto - Juan Carlos Fresnadillo (2001)

Nunca he creído en la suerte, de verdad, nunca he pensado que una persona puede tener buena o mala suerte, simplemente las cosas suceden por un cúmulo de casualidades no dirigidas o a veces son simplemente son consecuencia de nuestras buenas o malas decisiones, y ésto lo he comprobado que es así en la mayoría de los casos. De todas formas, y usando la suerte como elemento motriz de este thriller, Juan Carlos Fresnadillo firmó un primer largometraje sobresaliente.

La complejidad de su trama argumental está perfectamente construida, proporcionándonos sólo la información que al director y al guionista les interesa para ir desgránandonos las claves de una forma paulatina, sutíl y por tanto, muy eficaz. No hace falta recurrir a la voz en off, las imágenes explican mucho más que las palabras, y si están unidas de forma inteligente, podremos llegar a un entendimiento completo una vez expuesto todo el conjunto de la película. Y es que si por algo destaca la película, es por saber contener con una certeza impecable el resultado final, todo forma parte de un juego de azar, en el que hoy te puede ir bien y mañana todo lo contrario, con lo cual la incertidumbre está servida hasta el último momento. Todo un ejercicio de argumentación algebráica perfectamente ejecutada.

Lo imaginario se funde con lo real, proporcionándonos una sensación irreal pero sumergiéndonos a la vez en lo que sucede, a pesar de que sepamos que todo forma parte de la imaginación de sus creadores, se mantiene cercana al espectador haciéndolo parte del juego. Imágenes cargadas de información y actuaciones espectaculares de su trío protagonista, Leonardo Sbaraglia, Eusebio Poncela, y un ya mítico Max von Sydow; completando de esta forma una de las mejores obras de intriga que se han hecho en mucho tiempo en nuestro país. No me extraña que Danny Boyle lo haya elegido para su secuela de '28 días después', hoy estrenada en nuestro país.

Y es que a pesar de que no crea en la suerte, sí que creo que cuando las cosas están bien hechas siempre tienen buen resultado, y así ha sido en esta ocasión, Fresnadillo nos regala un juego de intriga inteligentemente construido y emocionante hasta el último momento.

Mi valoración: 9