Para todos los que en algún momento experimentaron el amor verdadero:
Well, if you're travelin' in the north country fair, Where the winds hit heavy on the borderline, Remember me to one who lives there. She once was a true love of mine.
Well, if you go when the snowflakes storm, When the rivers freeze and summer ends, Please see if she's wearing a coat so warm, To keep her from the howlin' winds.
Please see for me if her hair hangs long, If it rolls and flows all down her breast. Please see for me if her hair hangs long, That's the way I remember her best.
I'm a-wonderin' if she remembers me at all. Many times I've often prayed In the darkness of my night, In the brightness of my day.
So if you're travelin' in the north country fair, Where the winds hit heavy on the borderline, Remember me to one who lives there. She once was a true love of mine.
Neil Young es un hombre de música pura, no le va nada que parezca enlatado, las grabaciones por pistas y luego retocadas en estudio, y detesta todo lo que huela a comercial. Sus grabaciones destilan cariño y entrega a una música que ha sido su vida desde que tiene uso de razón, dándo como resultados discos dónde lo único que separa al artista del oyente es una pequeña caja acústica.
Ver a Neil Young en directo es todo un privilegio, evidentemente pocas veces lo tendremos cerca, pero gracias a este documental podemos disfrutarlo como si estuviera en frente nuestra. Volviendo a Nashville (Alabama), la cuna del auténtico country-rock, del que Neil Young es uno de los pioneros desde que colaborara con Bufallo Springfield; Young se reúne con un grupo de amigos, dónde la amistad y la confianza que hay entre ellos se trasladan a las notas musicales, destilando aroma sureño por todos los rincones del teatro.
Todo ello aderezado con un excelente trabajo de dirección y fotografía, transmitiendo en imágenes a la perfección todo el aire que se podía respirar en ese momento. Disfrute para aquellos que aman la buena música, música elaborada con cariño y meticulosidad, para disfrutar lentamente y saborear todo su potencial.
Desde el pasado viernes la radio independiente y de calidad ha perdido una de sus grandes representantes, "Area Reservada", ese maravilloso programa de jazz que Radio 3 emitía de Lunes a Viernes de 14:00 a 15:00 h. emitió su último programa. Una absurda regulación de empleo ha llevado a su presentador, Antonio Fernández, de 52 años a dejar el programa y a su vez, la cadena; cosas del mundo competitivo y comercial en el que vivimos.
Atrás quedan grandes entrevistas a grandes artistas de jazz, grandes recopilaciones, canciones inolvidables y momentos que se quedarán en la memoria. A la espera que este presentador sobradamente capacitado pueda seguir cómo presentador en otra cadena, nos quedamos con los programas grabados en mp3 disponibles en el blog de Área Reservada, y una entrevista a modo de despedida con el periódico El Mundo publicada el 25 de Junio 2.007.
Oscar Peterson tuvo una crianza musical, su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano, y él comenzó a tocar la trompeta, hasta que al contraer tuberculosis tuvo que dejar de tocar instrumentos de viento. Curiosamente, ésto lo obligó a tocar otro instrumento, en este caso el piano, y mira por dónde, se convertiría con el tiempo en uno de los mejores pianistas de la historia del jazz.
Encasillado por algunos, erroneamente, entre Art Tatum y Bud Powell, Oscar Peterson tiene un estilo muy personal y definido: de portentosa capacidad instrumental, ha alcanzado con las 88 teclas del piano, una fuerza expresiva, un poder rítmico, y un sentido del blues absolutamente extraordinario.
En sus primeras actuaciones sorprendía a su público por la velocidad que tocaba el piano, ésto le permitió ir desarrollando su carrera tocando en diferentes formatos aparte del solista y que terminaría conduciéndolo a su gran especialidad: el trío. Curiosamente las críticas comenzaron a decir que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra (como estaba acostumbrado), así que para acallar esas críticas contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por Ed Thigpen. Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal, marcando un estilo propio inigualable.
Con el tiempo la salud física volvería a dar un giro a su carrera, en 1993 sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa, pero nuevamente su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.
Y es que Oscar Peterson es un pianista por salud y a pesar de ella.
Nuestra vida necesita de una banda sonora, es imprescindible poner música a todas esas emociones, sentimientos y pasiones vividas, y no hay mejor banda sonora que este disco, descubierto recientemente por un servidor (gracias Diana!!).
De aire íntimo, elegante y exquisito, la musica nos sumerge en lo mejor de nuestra vida, sin darnos cuenta nos arrastra a todos esos momentos que hemos experimentado y que se encuentran en algun lugar de nuestra mente, los cuales son un placer volver a rememorlarlos. Basándose en películas de Lynch, Almodóvar o Visconti el disco se convierte en una pieza multicultural donde prima la melancolía, la belleza y lo sobrecogedor.
Su comienzo, "Cinema", es simplemente genial y la canción que cierra el disco "Antonio", es una pieza de piano de aire intimista dedicada a su hijo pequeño, que pone colofón a una obra maestra, de esas que perduran para siempre.
Y es que si mi vida tuviera banda sonora, sin duda sería este "Cinema" del maestro Leao.
Delirios mañaneros y traumas postvacacionales los que me impulsan a escribir sobre uno de los mejores albums de british pop que se han editado, con permiso de otras grandes bandas como "The Beatles" o "Radiohead", por supuesto.
Album mucho más coherente y cohesivo que su predecesor, "Parachutes", que desde su catártico comienzo con Politik nos transporta a otra atmósfera, subiéndonos en una montaña rusa de emociones y sensaciones, que van desde el pop más acústico con Green Eyes, agudos evocadores de guitarra con In my place, balada romántica con The sciencist, canciones atemporales como Clocks, susurros al viento con Warning sign, y experimentos musicales como Whisper.
Nostalgia británica la que evoca en nuestras mentes, provocando el deseo inmediato de estar sentados en un banco de Green Park mientras la leve y suave lluvia londinense acaricia nuestro cuerpo, sin parar de devorar ese cartón de "fish and chips" que adquiriste en el puesto de la esquina por una libra.
Mi valoración: 9,5
(Si sois victimas del trauma postvacacional, estrés postramutáico o todo lo que se llame post-loquesea no os perdáis esta canción del album, para todos los que buscan su sitio, In my place, que la disfrutéis)
Verano caluroso y de insomnio el del 2005, sin saber porqué el cd de este debutante nacido en Philadelphia cayó en mis manos. Venía de la mano de Norah Jones y bajo un sello 100% jazzístico, Blue Note, lo que parecía indicar que estaba ante otro nuevo "crooner" dispuesto a comerse el mundo del jazz, pero en cuanto comenzó a sonar, todos mis prejuicios iniciales se disiparon de un plumazo. Estilo difícil de clasificar: folk, soul, rock... incluso jazz, la verdad es que me da igual, su sensiblidad llega a lo más hondo de mi ser, y eso es lo verdaderamente importa. No había escuchado antes nada igual, y sí lo había escuchado, porque lo que en él se da es una conjunción de estilos ya oídos anteriormente pero inusitados a mis oídos a la vez.
Algunos lo comparan a cantautores como James Taylor o John Prine, alto tiene el listón el chico, y pienso que da la talla a la perfección. Sus canciones hablan de amigos, de soledad, de nostalgia... y es que llegada a cierta edad uno se vuelve reflexivo. Perfecto para esos días de invierno lluvioso, o de verano al anochecer, cuando todo parece que se acaba y que cualquier tiempo pasado fue mejor. Aunque en toda nostalgia, siempre hay un resquicio para la esperanza...
"You must remember this: a kiss is just a kiss..." ¡Qué recuerdos! Leyendo esta mañana una 'Movie Review' sobre 'Casablanca' en la web de la BBC con motivo del día de san valentín, me ha traído a la memoria entrañables y nostálgicos recuerdos de esta maravillosa película, de la cual me enamoré en cuanto la ví, y curiosamente, ayer oía nuevamente esa grandiosa canción 'As time goes by'. Así que no he tenido más remedio que colgar un video con esta canción.
Dedicada a los nostálgicos amantes de esta joya atemporal
En todos los estilos musicales y en casi todas las generaciones nacen niños prodigios, pero en esta época en la que faltan las ideas y sobran los artistas, las grandes compañías están a la caza de cualquier jovenzuelo que a temprana edad destaque para ficharlo y comenzar su explotación de una forma descarada. Ese es el cado de Eldar Djangirov, un joven nacido en 1987 que a los cinco años su madre (musicóloga y profesora de historia de la música) se da cuenta de la habilidad de Eldar para repetir, nota por nota, cualquier tema que sonase y después de oírle tocar en el festival de jazz de Novosibirsk en 1996 con nueve años, el promotor de jazz Charles McWhorter consigue que asista a un campus de verano en el Interlochen Center for the Arts en Michigan, tras el que Djangirov se instala en los EEUU (primero en Michigan, luego en Kansas City y finalmente en San Diego). Y ese el comienzo de una carrera espectacular que hoy día aún tiene su continuación.
Continua desarrollando su talento e impresionando a todo el que le escuchaba. Marian McPartland le invitó a participar en sus series NPR de Piano Jazz. El doctor Billy Taylor contrató su aparición en el programa de la CBS Sunday Morning. En Kansas tocó para la Fundación Musical de Jazz, donde le escuchó Michael Greene, el entonces responsable de la Asociación de la Grabación de las Artes y las Ciencias. Greene decidió que Eldar tocara en los televisados premios Grammy del 2000. Al mismo tiempo, Eldar participó en el concurso de jazz con piano de 2001 Lionel Hampton Jazz Festival ganando el primer premio. El siguiente año ganó el primer puesto en el concurso Peter Nero Piano. Graba sus dos primeros discos, “Eldar” (2001) y “Handprints” (2003) para el sello discográfico D&D y en el año 2004 firma un contrato con Sony. En marzo de 2005 se publica “Eldar” (Sony Classical).
El pasado verano giró por los mejores clubs de jazz de todo el país. Fue elegido por Wynton Marshalis para aparecer en la gala de apertura de jazz en el Lincon Center New Rose Hall. En enero de 2005, apareció como nuevo artista en la conferencia de la asociación internacional para la educación de jazz en Long Beach , California. Todo eso aparte de participar en numerosos festivales, y de grabar el año pasado un disco en directo en el prestigioso club "Blue Note" de Nueva York, en el que un servidor tuvo el privilegio de estar presente.
Djangirov es un músico que combina influencias procedentes de diversos pianistas señeros en la historia del jazz: el virtuosismo de Art Tatum (aunque quizás su estilo pianístico esté más cercano al de Oscar Peterson), el intimismo de Bill Evans o la exuberancia de Dave Brubeck. Dotado de una impecable técnica, es capaz de tocar larguísimas líneas melódicas con la mano derecha a una velocidad pasmosa, mientras su mano izquierda hace el comping, pero también de tocar block chords. La profusión de notas no impide que el toque sea preciso y controlado, y que las ideas surjan con fluidez y coherencia.
Pero quizás falle en lo que algunos artistas consideren como lo más importante, y es que en alguno de los temas lentos se puede apreciar algún rasgo propio de su falta de madurez: la ausencia de espacios (por su tendencia a tocar demasiadas notas) y una cierta “frialdad” en las baladas.
En definitiva, todo un niño prodigio que voy a tener el placer de disfrutar esta noche, junto a Marco Panascia al bajo y Todd Strait a la batería, en Jerez de la Frontera (Cádiz) en el ciclo "Jazz, rising stars" que una vez al mes nos traen artistas de la categoría del mencionado Eldar, y lo mejor es que la entrada es gratis, lo cual se agradece. Si me permiten hacer fotos las colgaré en este blog junto con la crónica de la velada.
Para los que no podéis estar presente os dejo un video de una actuación del niño en Amsterdan, que lo disfrutéis.
En cierta ocasión John Lennon dijo No hace falta oír lo que dice Bob Dylan, lo importante es cómo lo dice, ay amigo, cuanta razón tenías, porque el secreto de Bob Dylan reside en la manera de contar las cosas, la forma en la que con su voz destripa historias de la calle, historias que son comunes a todos nosotros y que día tras días inundan nuestras vidas. Su música es una experiencia agotadora, agotadora porque es muy dificíl asimilarla, pero no puedes evitar dejarte la vida en el intento, te arrastra sin remedio, te agarra con tal fuerza que no puedes soltarte hasta que después de una larga lucha te termina lanzando contra la pared, completamente extasiado, y quién no quiere morir de placer.
Un poeta, un folkie, un rockero, un incomprendido, las palabras no dan para definir una personalidad única, genuina, independiente, a contracorriente, marcada por la huella imborrable del paso del tiempo del que observa la realidad con ojos distintos al resto.
Cada viernes por la noche se repite el mismo ritual, con su voz semejante a un desgarro en la piel, un desgarro profundo e intenso que llega a lo más hondo de nuestro ser, palabra por palabra nos va desnudando, despojando de nuestras impurezas, nuestros angustias y nuestros temores, regalándonos canciones que bien pudieran valer una vida. Canciones sin ninguna conexión entre ellas más que el tema elegido para la noche, el momento y la persona que las deja escapar en el universo de las ondas, para que cual cazador de melodías nos dispongamos a atraparlas y así intentar adivinar que pudo inspirar a ese genio irrepetible de la música.
Gracias maestro!
(A todos los amantes de Bob Dylan)
P.D. El Bob Dylan's Theme Time Radio Hour se retransmite los viernes a las 20:00h (hora española) a través de la cadena BBC Radio 6, aquí tenéis el enlace para oirla online.
Aunque no soy muy amigo de los premios, como muchos de vosotros ya sabéis, hoy es inevitable no poner las noticias o leer algún periódico nacional o extranjero sin que te topes con los dos premios que ayer por la noche (en horas distintas, claro) se entregaron: Los musicales premios Grammy y los cinéfilos premios Bafta británicos.
En cuanto a los primeros, los Grammy, o como invertarn un porrón de premios para tener una gala larga con un montón de actuaciones y llenar la saca a base de anuncios, la lista es tremendamente larga,y yo (costumbre mía) evidentemente no me voy a enumerar los premios, para eso tenéis este enlace, pero sí que voy a destacar los artistas premiados que a mí personalmente me gustan, por una razón u otra. Por cierto lo retransmitieron en directo por el canal SET de la TDT, pero empezó a las 1.55 y hoy teniendo que trabajar como que no pudo ser, de todas formas se agradece el detalle:
- Uno de los sucesos más destacados de la gala fue la reunión de los componentes de "The police "después de mucho tiempo, aunque como siempre pasa en estos casos, fue para darle un poco de aliciente a la gala y para que hoy, como un servidor, hable de ello.
- Pero bueno, ante todo y por encima de todo, destacar que las grandes triunfadoras fueron las Dixie Chicks, grupo que a un servidor le gusta, pues sí. Ganaron el premio a Albúm del año, "Taking the long way", Grabación del año y Canción del año, "Not ready to make nice" (una gran canción, sí señor) y como no, Mejor album country del año. En cuanto a la canción, la escribieron después que se les intentara hacer un boicot porque declararon que era para ellas un deshonor provenir del mismo estado que el Sr. Bush, eso es ser independientes y lo demás son tonterías. Pero bueno, lo que está claro es que el "country" con tintes políticos sigue siendo cool en norteamérica y que el R&B está tan sumamente explotado, imitado y adaptado por cantantes pop que la gente empieza a estar un poco cansada de lo mismo.
- Otro triunfador, aunque no tanto, fue John Mayer, del que también he hablado en más de una ocasión, llevándose el premio al Mejor album pop vocal con "Continuum", albúm que un servidor lo compró en Manhatan, concretamente en la famosa tienda de musica y electrónica J&R, muy cerquita de la zona cero, que recuerdos... Aunque tengo que decir que para mi gusto no es el mejor de él, "Room for squares" o "Heavier things" son discos más experimentales y alternativos a lo que conocemos comúnmente por "pop", pero bueno, más vale tarde que nunca. Curiosamente anoche escenificó en la gala de los premios la canción "Gravity" (para mí la mejor del disco junto con "Stop this train") de la que ya colgé un video en este blog.
- Y otro premiado fue John Legend a la mejor actuación masculina de R&B por la canción "Heaven" de su último disco. No soy un amante del R&B, pero creo que este hombre hace una fusión de funky, soul y R&B bastante interesante y genuino y que se sale de la comercialidad de Beyoncé y compañía.
Por cierto, a mi entender se olvidaron de mi querida Norah Jones y de Amos Lee, pero es que no se puede tener todo... Aunque no me quiero olvidar de dar la enhorabuena a los que han ganado el premio al Mejor disco de música hawayana, un gran trabajo, sí señor.
Os dejo la canción de las Dixie Chicks
Como decíamos, en el otro lado del charco, se entregaron los premios 'Bafta' británicos (lo siento pero es imposible recurrir al chiste fácil) en el renovado auditorio del Picadilly, 195, lo que algunos llaman los "Oscars" ingleses, y nunca mejor dicho porque las nominaciones eran casi calcadas. Los ganadores los podéis ver aquí, aunque me gustaría destacar que nuevamente nuestra Penelope Cruz se ha vuelto a venir con las manos vacías, lo que ya viene siendo una confirmación total de cara a los Oscars (o no?), en beneficio de la grandiosa Helen Mirren. Y "El laberinto del fauno" se vuelve a casa con un par de premios en la saca, Mejor película no inglesa y Mejor diseño artístico, suma y sigue...
En fin, ya no quedan más premios antes de los Oscars, así que ya tan sólo queda esperar a lo que para muchos será la gran noche, para mí será una noche más aunque no una mañana más...
Os propongo una adivinanza: ¿qué disco le regala Julia Roberts a Richard Gere en "Novia a la fuga"? tic, tac, tic, tac.... ringgggg. ¡Correcto! "Kind of blue" de Miles Davis.
Pero bueno, anécdotas de películas de mediana categoría aparte, vayamos a lo realmente interesante y es este grandísimo disco, considerado por crítica y público como el mejor disco de la historia del jazz, aparte de ser el más vendido hasta hoy. Y claro uno se pone a analizar quiénes participaron y no tiene más que rendirse ante la evidencia: Miles Davis a la trompeta, John Coltrane al saxo tenor, Bill Evans al piano, Paun Chambers al contrabajo, y otros más que menos conocidos, pero grandes intérpretes de esta musica magistral.
El disco equilibra la balanza de diferentes corrientes jazzisticas, de ahí que a tantos aficionados y críticos les guste, sean más reaccionarios y por los más intrasigentes. Pero además es un disco perfecto para atraer a esos que aún el jazz no les ha engachado, de verdad, merece la pena probarlo.
"Kind Of Blue" sigue desarrollando el concepto "modal" iniciado ya por Miles en "Milestones". Concepto desarrollado por primera vez por George Russell, en el cual el intérprete improvisa sobre una serie de escalas, en vez de hacerlo sobre acordes o armonías (como habitualmente se practicaba). Aparte del enfoque musical "modal", las composiciones eran totalmente originales, y los músicos por tanto desconocían previamente tales composiciones, sin ningun ensayo previo y estando los interpretes dotados de contundentes aptitudes creativas (lo que podría haber llevado a una confrontación de egos), podría haberse esperado cualquier resultado. Pero todo se desarrolló perfectamente dando como resultado un equilibrio, serenidad, belleza y sencillez fuera de lo común, todo un deleite para los sentidos.
Siempre se ha hablado que Miles Davis fue el compositor de todas las canciones, pero la realidad es que Bill Evans participó en "Blues in Green" y en "Flamenco Sketches", con lo cual merece su pequeña parte de gloria.
Como dijo Miles Davis en cierta ocasión: "Antes que nada, toco para mí. Si hay gente que viene a escucharme, mejor." (1971) Pues amigo mío, no hay mejor regalo para los oídos que escucharte.
Aunque hasta a mí mismo me parezca mentira, hoy no tengo muchas ganas de escribir, y no es por falta de temas, sino que me noto hoy un poco vago, pero aunque en otras ocasiones he dejado un espacio vacío, hoy lo voy a cambiar y os voy a dejar un video de una de mis artistas favoritas, Norah Jones, y una cación de su último albúm (Not too late) que se llama 'Thinking about you', que lo disfrutéis.
Que Pat Metheny es un fenómeno, no lo voy yo a descubrir ahora, pero si que me gustaría reseñar algunas curiosidades del que está considerado su mejor disco "Secret Story" (Geffen, 1992).
Normalmente Pat Metheny es muy pesimista con los resultados de su trabajo (la frustación del genio que busca la perfección), pero en esta ocasión en una entrevista concedida a Roy Firestone en 1992, reconoció que se acercaba bastante a sus ideales, con lo cual estamos hablando de unos estándares bastantes altos, considerando lo autoexigente que es Metheny. Por ello, muchos expertos lo consideran el mejor disco de la carrera de Pat Metheny y posiblemente del jazz contemporáneo.
El amor, ese eterno sentimiento, inspiración de escritores, pintores, y por supuesto de músicos, es lo que motivó a Pat Metheny a componer esta obra maestra. El disco es un viaje musical a través de los sentimientos del artista y una chica brasileña, que conoció en un club de jazz de Río de Janeiro. Comienzo prometedor cual amanecer, una fase intermedia dulce y romántica y un final triste y melancólico que evoca el final de la pareja. Y curiosamente esa ruptura provocó, en la parte final del disco, y según palabras del propio músico, "los mejores 20 minutos de música que he escrito jamás", cual poeta que roto de amor escribe su mejor poesía.
Tan autobiográfica es esta obra que al grabarla se encargó él mismo de tocar todos los instrumentos, sin duda propio de un genio, pero también de alguien que sabe lo que quiere expresar con su música, y que mejor que él para hacerlo. Es por ello que muchos dicen que este disco no fue hecho para tocarlo en directo, ya que es imposible que tocara todos los instrumentos a la vez, pero la idea de enriquecer la interpretación con músicos especialistas para cada instrumento, así como la posibilidad de invitar a sus mejores amigos en una obra tan autobiográfica como esta, provocó una extensa colaboración de colegas entre los que se encuentran su gran amigo Charlie Haden, y sus compañeros y ex-compañeros del Group.
En un artículo dedicado a este mismo disco en Tomajazz.com se mencionaba lo siguiente:
El Grammy recibido y la nominación a mejor composición instrumental por The Truth Will Always Be son meras anécdotas. Hay veces en que la calidad musical está por encima de toda clasificación, y Secret Story supera todas las previsiones. Lo hizo en su época y sigue tan vigente como entonces. Sólo nos queda dar las gracias a Pat Metheny por maravillas como esta, y animarle a que intente superarlo. Si es posible.
Pues eso, que se supere a ver si es capaz.
Os dejo un video con una actuación en directo de una de las canciones de este maraviloso disco, espero que lo disfrutéis.
No sé a vosotros, pero me pasa que cuando una película me deja su sello ya para siempre cada vez que oigo una de sus canciones principales me vuelve a traer a la memoria, ya no sólo la película, sino todo lo que me hizo sentir o incluso el momento en el que vivía.
Eso me pasa cada vez que escucho esta canción, Let Go de Frou Frou, se incluyó en la banda sonora de "Garden State" (que incompresiblemente en español se tradujo "Algo en Común"), protagonizada por Natalie Portman y Zach Braff, aparte de ser este último el director. Una película que habla del paso del paso de la adolescencia a la vida adulta, y por tanto habla de cambios, de sensaciones diferentes, todo contado con una poesía visual impresionante.
Bueno, no os cuento más de la peli y os dejo la canción, que por cierto es un montaje de la película con la canción. Y tú ¿Qué canción de película te ha marcado? Espero vuestras respuestas.
Tengo que reconocerlo, me emocioné cuando al final del capítulo de ayer de House (3x02) mientras sonaba la canción de uno de mis cantantes favoritos, Gravity de John Mayer, el doctor House volvía a usar sus pastillas para mitigar el dolor de la pierna, y nuevamente volvía a utilizar el bastón para andar. Un final genial para un capítulo genial, y es que cada vez me tiene más enganchado esta serie. ¿Será la gravedad?
Aquí os dejo un video de este magnífico cantante con esta canción no menos magnífica:
Aunque hacía algún tiempo que lo tenía, pero después de leer la entrevista que le hizo El País me entraron más ganas de conocer este disco de primera mano del que tanto se ha hablado. Y la verdad es que ha cumplido con mis expectativas, es un disco raro raro raro donde los haya. Y es que no estamos acostumbrados a este tipo de música, yo no por lo menos, música del siglo XVI tocada con un laúd especialmente fabricado al estilo de aquella época y compuesta por un hombre, John Dowland, que trabajaba para la corte de Isabel I de Inglaterra.
El disco desde el mismo comienzo te transporta a la época de Isabel I, con todos su corte, sus pajes, su guardia real y toda la parafernalia inglesa. Mientras escuchaba el disco parecía que estaba en la Tower of London rodeado de esos muros que guardan en su interior historias de traiciones, venganzas, ajusticiamientos y todo el esplendor de la realeza inglesa. Sin duda un gran trabajo de documentación que ha hecho Sting con su amigo antiglobalización pero que vive con Sting en su finca en La Toscana, cosas de la vida moderna.
Recomendable para todos aquellos que quieran oir algo diferente, distinto a la media, un riesgo que ha corrido Sting ya que va en contra de la tendencia de la música y por supuesto del rock, y nada más que por eso merece la pena ser escuchado. Ahora, que te guste ya es otra cosa.
Me llamó la atención una pequeña noticia que publicó el diario El Pais el pasado Domingo 17 de Diciembre en la que se explicaba que la ópera de Mozart Don Giovanni se estrenó en el nuevo y flamante Palau de las Arts de Valencia, diseñado por el arquitecto admirado Santiago Calatrava, pero que debido a un problema con el sistema hidraulico del teatro no se pudo colocar ningún tipo de escenario. Así que los espectadores se tuvieron que conformar con contemplar la ópera sin ningún tipo de decoración, simplemente los cantantes pelaos y mondaos, aunque eso sí, tenían la opción de que se les devolvieran las entradas, aunque al parecer muchos no optaron por ésto último.
Como es lógico todo esto está siendo tremendamente criticado porque pone de relieve bastantes deficiencias muy importantes. Lo primero es que no se entiende como un proyecto de esta envergadura, con el dinero que tiene detrás y con el arquitecto que lo ha proyectado, pasen estas cosas. La verdad es que es inexplicable. Ya había recibido críticias en cuanto a la acústica del edificio, que según algunos no era la más idonea, y ahora esto. Todo ello pone de manifiesto que a veces los diseños espectaculares y que se salen de la norma no son del todo prácticos. Muchos se plantean si es práctico gastarse tantos millones de euros en un proyecto espectacular que asombra al mundo entero, pero que después no se le da un uso práctico o dicho uso lo único que provoca es más gastos, molestias y un daño a la imagen del proyecto irreparable.
Pero dejando reflexiones sobre la practicidad de muchos proyectos arquitéctonicos espectaculares que cada día nos encontramos más, está la cuestión de ¿para qué vamos realmente a la ópera? Es decir, ¿vamos para ver una gran puesta en escena con escenarios y atrezzos espectaculares? ¿o vamos para escuchar una pieza de música clásica genialmente interpretada por los músicos y cantantes? Muchos dirán que un poco de todo, pero a mí personalmente me importa poco los escenarios, atrezzos y demás parafernalias. Veo que a veces se tiende a espectacularizar la ópera y se deja a un lado el verdadero fondo de la historia, estamos acostumbrados a ver representaciones de ópera en la TV que son lo más espectaculares posibles, y cuando acudimos al teatro acudimos con la idea de ver una igual. Qué sucede, que cuando nos encontramos con una puesta en escena modesta nos molestamos y pensamos que la representación no vale nada.
Es cierto que cuando sus compositores la compusieron (principalmente en la época barroca donde todo era ostentación) lo hicieron con la idea que fuera representada con los más fastuosos arreglos, pero ¿no es la historia lo realmente importante? Cuando una ópera está magistralmente representada por sus actores sobran los escenarios, iluminación y demás parafernalias, te sumerges en una vida interior que no es la tuya y que te atrapa hasta creer que todo lo que hay en el exterior no existe. Esa es la verdadera esencia de la ópera, profundizar en los sentimientos y olvidar todo lo demás, así que ¿para qué tanta pomposidad?
Me hubiera gustado estar esa noche en el Palau, habría disfrutado con un Don Giovanni diferente, porque el que yo contemplé en su día en el Teatro Villamarta no me agradó nada, sobre todo por su puesta en escena oscura, barroca y sin ningún gusto. Y eso es lo que tiene los accidentes, a veces cambien la perspectiva de las cosas e incluso hace que las valoremos más.
Mientras escuchaba esta tarde este disco, me decidí a escribir un "Music review" sobre él. Y es es para mí uno de los discos que jamás haya escuchado. La primera vez que lo escuché estuve a punto a llorar de la emoción (y no exagero, eh). ¿Como se puede concentrar tanta sensibilidad y energía a la vez? Realmente descubrí lo que es que un artista te haga vibrar, y este lo hace: de emoción, amargura y por supuesto de amor.
Sus melodías sencillas, directas, cargadas de guitarra, violines y chelos, son una delicia para los oídos. Un disco perfecto para escucharlo tumbado en el sofá o en la cama y evadirte por un momento de todo lo que te rodea. A veces suena nostálgico, a veces evocador o incluso te hace sentir muy de cerca la amargura. Un disco imprescindible.
La canción "The blower's daughter" creo que quedará para mi universo particular de canciones memorables.
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