Nuevo blog! Sesiones Dobles

Aunque este blog sigue cerrado, puedes seguirme en un nuevo blog fruto de la colaboración con Nataliabook y es una continuación del proyecto "Sesiones Dobles" que en su día organizamos desde este blog.

Visita Sesiones Dobles. Espero que te guste.

Saludos!

Cerrado

La vida consta de etapas, uno tiene que abrir y cerrar ciclos para renovarse y no terminar nunca hastiándose de lo que hace, encontrando cosas nuevas e interesantes que lo mantengan a uno vivo y activo. Por eso creo que es momento de cerrar esta etapa, sé que no he durado mucho, que no he logrado atraer a cientos de "lectores" a mi blog, pero al menos me queda la sensación que durante unos meses fui capaz de llevar a cabo y mantener un proyecto creativo, cosa que no había hecho nunca antes.

Me voy porque lo que en principio era un hobby, se convirtió por momentos en una obligación, y ese no era mi propósito, mi tiempo es muy limitado y lo que me gusta tiene que ser una descarga más que una carga. No me puedo ver "obligado" a postear sólo por no dejar de un lado éste blog. Lo siento mucho por aquellos que me leían, que acudían a mi blog en busca de ciertas referencias cinéfilas o simplemente para comentar sobre algún tema. Gracias a todos, vosotros habéis conseguido que este proyecto perdurara más de lo previsto en un principio.

Y aunque me voy, no desaparezco por completo, seguiré con mis colaboraciones con Nataliabook que en Septiembre empieza la temporada de cines y libros, allí comentaré cada película que se vaya viendo y seguiré participando con interés en los debates planteados. Aparte de seguir leyendo, aunque no todos los días, vuestros blogs y dejando mis comentarios. Por supuesto seguiré viendo películas, quizás no al mismo ritmo, y me podréis ver por Filmaffinity votando las que vaya viendo, aquí tenéis mi ficha de usuario.

Muchas gracias a todos y nos seguiremos viendo.

Girl from the north country - Bob Dylan

Para todos los que en algún momento experimentaron el amor verdadero:

Well, if you're travelin' in the north country fair,
Where the winds hit heavy on the borderline,
Remember me to one who lives there.
She once was a true love of mine.

Well, if you go when the snowflakes storm,
When the rivers freeze and summer ends,
Please see if she's wearing a coat so warm,
To keep her from the howlin' winds.

Please see for me if her hair hangs long,
If it rolls and flows all down her breast.
Please see for me if her hair hangs long,
That's the way I remember her best.

I'm a-wonderin' if she remembers me at all.
Many times I've often prayed
In the darkness of my night,
In the brightness of my day.

So if you're travelin' in the north country fair,
Where the winds hit heavy on the borderline,
Remember me to one who lives there.
She once was a true love of mine.

(Letra tomada de aquí)

Movie Review: Marie-Antoinette - Sofia Coppola (2006)

Ser una directora de sensaciones más que de historias le está costando a Sofia Coppola el desagrado de muchos, aunque eso y en vista de quién está detrás (el papi), como que le da exactamente igual. La historia en éste caso sólo sirve de excusa para transmitirnos lo que sentía una niña obligada a casarse con el futuro rey de Francia, mimada por su entorno, encerrada en una cárcel de tradiciones y un futuro no muy halagüeño en vista del poco interés de su marido a procrear.

Creando una atmósfera dónde los tonos pasteles hacen su agosto y cuyo vestuario es digno del Oscar que recibió, la pequeña Coppola logra su objetivo: mostrar la decadencia de Versalles y el refugio en las diversiones y excesos de una reina como escape a las presiones que tenía encima. Escenas en las que el tratamiento de la fotografía y la banda sonora electrónica transmiten en el espectador la misma soledad y desconcierto que la protagonista estaba sufriendo, logrando en algunas de ellas una belleza sublime.

Aunque, por otro lado, la fórmula se le antoja a la directora algo repetitiva provocando una sensación de "deja vú" en el espectador que ya disfrutara con las "Vírgenes suicidas" y "Lost in translation". Es por ello, que si bien no deja de transmitir sensaciones a través de imágenes, cuando sentimos que vemos otra vez lo mismo, ya no es tan excitante o tan emocionante, tirando por los suelos el factor sorpresa.

Sus guiños canallas como la inclusión en una escena de las zapatillas Converse mientras suena de fondo el tema "I want candy", dejan bien claro que los detalles pretendidamente rebeldes son más importantes que historia pura y dura. Su final (criticado por muchos) resulta coherente con el conjunto, mostrándonos su abandono de todo ese mundo de excesos y desenfrenos, en una de las mejores escenas de la película, en lugar de su muerte. Resultando, por tanto, en una película pastelosa, superficial e inócua, como la misma reina que en este pseudo-retrato Sofia Coppola nos ha pintado, y, siéntondolo mucho, a mí me encanta cómo lo hace.

Mi valoración: 7

'1984' (Geogre Orwell - 1949)

Cuando lleguemos a 1984 todo será distinto, dos y dos sumarán cinco, la esclavitud será la libertad, y la guerra contínua el camino para conseguirla. El Gran Hermano controlará nuestras acciones, nuestras mentes e incluso nuestros sueños, penetrando en lo más profundo de nuestro ser para comprobar si somos fieles a sus mandatos unidireccionales o si hay algún resquicio de pensamiento revolucionario, aunque sea mínimo. Entrenaremos a nuestros hijos a que se conviertan en espías de nuestros vecinos, familiares e incluso de nosotros mismos, todo para el bien de la nación.

Londres será una ciudad fría, oscura, y vacía de calor humano. La humanidad habrá perdido toda su esencia, el sexo sólo servirá para procrear, los racionamientos de comida serán habituales, y la aguada ginebra de la victoria será refugio habitual de sus desangelados habitantes. La historia será reescrita una y otra vez, borrando toda nuestra capacidad de memorizar, de siquiera mencionar un hecho pasado, la realidad que nos rodea será cambiada al antojo del mandatario máximo.

Siempre estaremos en guerra (siempre lo habremos estado) porque la guerra será necesaria, necesaria para mantener el miedo, el temor, para justificar la escasez de alimentos, para que dependamos de nuestros soldados y para resucitar un exaltado sentimiento patriótico con cada (supuesta) victoria de nuestras tropas. Generando un odio intenso hacia el eterno adversario, el culpable de todos nuestros males.

George Orwell nos hace darnos cuenta de que cuando llegue 1984 todo será diferente, pero ¿no estamos ya en 1984?

Neil Young - Heart of gold (2006)

Neil Young es un hombre de música pura, no le va nada que parezca enlatado, las grabaciones por pistas y luego retocadas en estudio, y detesta todo lo que huela a comercial. Sus grabaciones destilan cariño y entrega a una música que ha sido su vida desde que tiene uso de razón, dándo como resultados discos dónde lo único que separa al artista del oyente es una pequeña caja acústica.

Ver a Neil Young en directo es todo un privilegio, evidentemente pocas veces lo tendremos cerca, pero gracias a este documental podemos disfrutarlo como si estuviera en frente nuestra. Volviendo a Nashville (Alabama), la cuna del auténtico country-rock, del que Neil Young es uno de los pioneros desde que colaborara con Bufallo Springfield; Young se reúne con un grupo de amigos, dónde la amistad y la confianza que hay entre ellos se trasladan a las notas musicales, destilando aroma sureño por todos los rincones del teatro.

Todo ello aderezado con un excelente trabajo de dirección y fotografía, transmitiendo en imágenes a la perfección todo el aire que se podía respirar en ese momento. Disfrute para aquellos que aman la buena música, música elaborada con cariño y meticulosidad, para disfrutar lentamente y saborear todo su potencial.

Mi valoración: 8

Movie Review: Last Days - Gus Van Sant (2005)

La presión de una estrella de rock puede llegar a ser desesperante, después de una vida de locuras y desenfrenos, el éxito pide su pago correspondiente, y cuando eso llega pocos son los que aguantan con entereza. Esa desesperación lleva a muchas estrellas a aislarse por completo del mundo que les rodea, a evadirse de una realidad que les supera y les aplasta como su fuera una apisonadora, terminando en algunos casos en tragedia.

Gus Van Sant ha dado un nuevo giro de tuerca a esto que llamamos cine, y concretamente a los 'biopics', su estilo semidocumental y en permanente contacto con sus protagonista incluso cuando mata las moscas que le rodean, provoca en el espectador la sensación de que está viviendo con él, que comparte sus momentos más banales. Evidentemente esto es un arma de doble filo que puede gustar más o menos, pero no deja indiferente a nadie.

Por ello, de lo que no hay duda es de la tremenda calidad artística de esta obra, la cámara se mueve con mimo alrededor del artista, lo adora, lo reverencia, y todo a pesar de su pésima condición y estado. Difícilmente veremos imágenes tan bellas de una condición tan deplorable. Sus encuentros con la naturaleza no son más que el deseo de encontrar un sentido a una existencia que se antoja imposible, de sentirse libre, alejado del mundo. Encuentros narrados de forma pausada y tranquila, reflejando toda la calma y armonía que la naturaleza aporta al protagonista. Por lo tanto, asistimos a lo que se convierte en un monólogo interior, a susurros reflexivos que esbozaban la que sería su última y más desgarradora canción.

Lástima que el espectador nunca entre en la escena, no se pretende, pero el que no se cuente con nosotros para nada puede pagarse caro. Hay momentos en los que sientes que todo lo que estás viendo sobra, que está demás, que es innecesario o que estás perdiendo el tiempo. Y es que este film termina siendo (al menos para un servidor) bueno como ejercicio artístico pero nulo como película.

Somos testigos de la decadencia de un artista, que si bien no necesita contarnos su vida tan sabida ya por muchos, termina en una desgracia también sabida, y si lo que hay en medio no nos aporta mucho, al final ¿qué nos queda? Imágenes, escenas o movimientos de cámara llenos de sensibilidad, una canción cantada por el artista con los bellos de punta y quizás una frase, en un contexto totalmente surrealista, para la posteridad: "¿El éxito? El éxito es subjetivo"

Muchos dirán que eso es lo máximo que se le puede pedir a una película, pero el que suscribe espera algo más, espera transcendencia en las imágenes, que cuando termine de verla reflexione en lo que acaba de ver y se regocije en su argumento, en sus diálogos. Y es que esta película, siendo lo que es: una OBRA DE ARTE CONTEMPORÁNEO, depende de los ojos con que se vean.

Mi valoración: 5

Desayunando con diamantes en Nueva York

Si no hubiese visto Desayuno con diamantes antes de viajar a Nueva York, mi encuentro con Tiffany's no hubiese sido el mismo. No me habría parado en ese pequeño escaparate contrastando con la gigantesca fachada sin apenas ventanas a contemplar esos hermosos diamantes que con tan buen gusto están decorados. No habría reflejado mis ilusiones y esperanzas en un acto tan aparentemente banal, pero cargado de significado, y es que aunque pequeño, ese escaparate constituye por momentos aquello que más deseamos pero que dificílmente obtenemos.

Y no me refiero a meras joyas, que al fin y al cabo son un lujo efímero, me refiero a algo tan simple como los sueños. Sueños inalcanzables, irrealizables, como unos caros diamantes para esa jovencita que vivía de sus amoríos, pero que nos mantienen con ilusión, preserva en nosotros esa inocencia casi infantil y nos aleja de toda ese hastío y hartazgo que el mundo en el que vivimos nos pueda transmitir.

Todo lo que queremos está al alcance de nuestra mano, lástima que siempre encontramos un cristal de metacrilato que lo separa, convirtiendo una y otra vez, y por más que nos paramos delante, en imposible de alcanzar.

Esa 5ª avenida constituía en el momento de mi caminar por ella la vía de acceso a todos esos sueños, el camino que me llevaría a ellos, y eso que cuando yo caminaba había demasiada gente, quizás muchos ya conocen el camino y quieren caminar por él. Por ello me costaba imaginar esa avenida vacía, sin nadie caminando por ella, esperando que llegara ese solitario taxi amarillo para pararse delante del escaparate de las ilusiones.

Quizás todos mis sueños nunca se realicen, pero al menos vivo contemplándolos detrás del cristal.

Movie Review: Shrek Tercero - Chris Miller (2007)

Hollywood, especialista en exprimir sus productos hasta la saciedad, lo ha vuelto a conseguir: ha creado una secuela sosa, sin gracia ni chispa, no se sabe muy bien destinada a quién, si a los niños o a los mayores, con la única intención de seguir aprovechándose de la gallina de los huevos de oro.

Si algo tiene de bueno Shrek Tercero (y no Shrek 3), es su factura técnica, la Dreamworks se ha esmerado en elaborar lo que podríamos calificar cómo el trabajo más impecable artísticamente de la saga, con grandes niveles de detalles y belleza en algunas tomas. Lástima que todo sólo sea parte de un envoltorio cuyo contenido está totalmente vacío.

Si por algo se caracterizaba la primera entrega de Shrek fue por su fino humor e ironía, cosa que exagerado pero tronchante en la segunda parte, en la tercera se ha esfumado completamente. No hay gracia, no hay chistes con dobles sentidos, pero lo más alarmante es que ni a los niños les gusta, ni siquiera el humor escatológico termina de arrancar carcajadas a los más pequeños. Termina convertiéndose en otro cuento con moralina más, propio de la factoría Disney, más que lo que se propuso ser en un principio, una alternativa canalla a los cuentos de hadas.

Asno ha perdido la chispa y ese toque de "pesadito" que tenía, parece que las obligaciones familiares le han hecho asentar la cabeza. El gato con botas se ha convertido en una parodia de sí mismo, teniendo que hacer gracia cada vez que abre la boca, cuando tiene muy poquita. Y el ogro Shrek, ni es tan ogro, ni es tan gruñón, ni siquiera irónico, será que su amada lo ha ablandado. Por lo tanto ¿qué nos queda? Una pequeña crítica a las princesas de los cuentos de hadas, con Blancanieves como la más resultona y poco, o poquísimo más.

Cuando la cosa no podía ir a peor, resulta que nos dejan la puerta abierta a una cuarta entrega, ¿serán capaz de enmendar esta metedura de pata? Difícil lo veo, y es que esta gallina parece que ya está bastante exprimida.

Mi valoración de la saga:
Shrek 1 - 9
Shrek 2 - 8
Shrek 3 - 3

Serie Review: House - 3ª Temporada

La vida no siempre es de color de rosa. Ayer terminó, se acabó, por ahora no tendremos al pesadito de House haciendo de las suyas hasta la temporada que viene. Curioso lo de este personaje, es ese que a todo el mundo cae mal, que nadie querría toparse con él, sin embargo, siendo un reflejo de lo que nos gustaría ser, nos atrae. Y aunque en los últimos capítulos de la temporada ya no hacía esfuerzos por caer bien ni siquiera a sus fans más incondicionales, haciendo todo lo posible por exasperarlos, sigue siendo el mismo. Su esencia no cambia, a pesar de que lo que ha vivido en esta temporada le ha hecho reflexionar y mucho, mostrando en ocasiones y en el episodio final su lado más humano.

Diálogos cargados de sarcamso e ironía que reflejan descontento con la sociedad en la vivimos, crítica voraz al mundo que nos rodea, lleno de aparentes buenos motivos y falsedad por todos lados. House se convierte en portavoz de los que no están contentos con el mundo que tenemos ante nosotros, y que no son pocos. Su éxito radica precisamente en eso, en decir lo que todo el mundo piensa pero nadie se atreve. En destapar toda la hipocresía, en destimitificar los mitos y derrumbar la sociedad ideal que nos han vendido desde USA por mucho tiempo.

Y es en esta temporada dónde todo eso se ha acentuado aún más, mostrándose el House más cruel posible, el más desagradable, creando un mal ambiente entre los miembros del equipo, terminando en el peor de los casos posible. Y es que no estamos ante una serie dónde todo acaba siempre bien, aunque puede dar la sensación tras la resolución "milagrosa" de muchos casos, todo lo contrario, el lado más amargo de la vida traspasa la pantalla y nos sentimos identificados porque también hemos pasado por lo mismo.

Esa crueldad y amargura corrompe a todo el que le rodea, Chase, Cameron, Wilson, Foreman e incluso Cuddy, son atrapados por esa visión pesimista de la vida. Es como un virus que atrapa y contagia a los que pasan muchas horas con House, huyendo algunos por no llegar a convertirse en lo que ellos piensan que es.

Por ahora se acabó toda esa aguda visión del mundo, toda esa ironía, ese sarcasmo que nos saca de nuestro letargo imaginario, y es que la vida no siempre es de color de rosa.

"Area Reservada" ha muerto

Desde el pasado viernes la radio independiente y de calidad ha perdido una de sus grandes representantes, "Area Reservada", ese maravilloso programa de jazz que Radio 3 emitía de Lunes a Viernes de 14:00 a 15:00 h. emitió su último programa. Una absurda regulación de empleo ha llevado a su presentador, Antonio Fernández, de 52 años a dejar el programa y a su vez, la cadena; cosas del mundo competitivo y comercial en el que vivimos.

Atrás quedan grandes entrevistas a grandes artistas de jazz, grandes recopilaciones, canciones inolvidables y momentos que se quedarán en la memoria. A la espera que este presentador sobradamente capacitado pueda seguir cómo presentador en otra cadena, nos quedamos con los programas grabados en mp3 disponibles en el blog de Área Reservada, y una entrevista a modo de despedida con el periódico El Mundo publicada el 25 de Junio 2.007.

Te esperamos.

Movie Review: Blade Runner - Ridley Scott (1982)

Roy Batty, un "replicante" que amaba la vida más que los mismos humanos terminaba así su paso por el mundo de los vivos sin que muchas de sus preguntas hayan sido contestadas. Y es que si algo nos diferencia del resto de seres vivos, es que nos formulamos preguntas sobre el porqué de nuestra existencia, el sentido de nuestra vida o cómo será nuestro futuro, pero en la mayoría de los casos morimos sin encontrar respuesta a tantos interrogantes.

Y aunque es cierto que Blade Runner es una versión libre de la obra en la que se basa, no deja de perder su esencia: los deseos, anhelos e interrogantes del ser humano reflejados en unos replicantes más humanos que los mismos humanos, constituyéndose de esta forma en una perfecta radiografía de lo que sucede en nuestro interior, en un reflejo de lo más profundo de nuestro ser, de lo que nos diferencia del resto de seres vivos.

Tenemos conciencia de que existimos, y ésto nos lleva a plantearnos preguntas sobre la misma, preguntas que en la película para los humanos parecen estar contestadas (o están aburridos de buscarlas sin éxito) pero no para los "replicantes", cuya existencia es muy reciente y son los que ahora se plantean los mismos interrogantes que el resto de la humanidad se ha hecho por siglos. Todo esto lo logra gracias a su atmosfera humecida por la lluvia, dónde apenas se ve el sol, su estética "ciberpunk", mezclando tecnología y existencia marginal, y su magnífica banda sonora compuesta por Vangelis (por sí misma se merece otro comentario), que nos hace sumergirnos en lo más profundo de nosotros mismos, llegándonos a plantearnos las mismas cuestiones que sus protagonistas.

Pero sí por algo destaca Blade Runner es por la atemporalidad de sus naturaleza: pasado, presente y futuro se funden en un mismo conjunto que se conforma perfecto en forma y contenido. Se acerca al pasado a través de referencias literarias, bien biblícas, bien de la poesía de William Blake, a través de simbolismos religiosos, o referencias dramáticas del más puro cine clásico y negro. Y se acerca al futuro dónde la alta tecnología resplandece, si bien el resto es decante, viejo y marginal.

Si a esto le unimos las implicaciones éticas del dominino de la ingenieria genética, el alto grado de paranoia, los diferentes reflejos de diferentes aspectos de la sociedad norteamericana de los 80 (en esa época se predecía el dominio de la economía japonesa sobre la norteamericana, de ahí el predominio de la cultura asiática en anuncios y que todos los científicos provengan de allí) o los problemas de movimientos de población; tenemos ante nosotros una de las obras de ciencia-ficción más completas de la historia, y cuyo guión (a pesar de los cambios de guionista) ha sido elaborado de forma perfecta y sin fisuras.

Como bien predijo Philip K. Dick poco antes de morir, Blade Runner cambiaría la manera de ver películas, y así ha sido, se ha convertido en un clásico inmortal desde su nacimiento, una obra de referencia para directores y creadores fascinados por una obra tan perfecta, y a pesar de las reticencias de crítica y público en su momento, el tiempo le ha dado lo que se merecía: un lugar en el olimpo de los inmortales. Finalmente, tanto la película como su esencia no se ha diluido en lágrimas de lluvia, cómo predecía el replicante Roy Batty, sino todo lo contario, se ha mantenido viva y le quedan muchos años por delante, consituyéndose en un canto a la vida que perdurará para siempre.

Y es que gracias a esta película cuando termine de escribir estas líneas, abriré el cajón dónde tengo guardadas mis fotos y me pondré a contemplar todos esos recuerdos y sentimientos envueltos en ellos, para nuevamente sentirme vivo. Gracias Blade Runner.

Mi valoración: 10

(Esta crítica es fruto de la primera de muchas colaboraciones entre este blog y Nataliabook, un club de lectura dónde cada mes y medio se propone la lectura de un libro y su correspondiente versión cinematográfica, no se lo pierdan)

Movie Review: Intacto - Juan Carlos Fresnadillo (2001)

Nunca he creído en la suerte, de verdad, nunca he pensado que una persona puede tener buena o mala suerte, simplemente las cosas suceden por un cúmulo de casualidades no dirigidas o a veces son simplemente son consecuencia de nuestras buenas o malas decisiones, y ésto lo he comprobado que es así en la mayoría de los casos. De todas formas, y usando la suerte como elemento motriz de este thriller, Juan Carlos Fresnadillo firmó un primer largometraje sobresaliente.

La complejidad de su trama argumental está perfectamente construida, proporcionándonos sólo la información que al director y al guionista les interesa para ir desgránandonos las claves de una forma paulatina, sutíl y por tanto, muy eficaz. No hace falta recurrir a la voz en off, las imágenes explican mucho más que las palabras, y si están unidas de forma inteligente, podremos llegar a un entendimiento completo una vez expuesto todo el conjunto de la película. Y es que si por algo destaca la película, es por saber contener con una certeza impecable el resultado final, todo forma parte de un juego de azar, en el que hoy te puede ir bien y mañana todo lo contrario, con lo cual la incertidumbre está servida hasta el último momento. Todo un ejercicio de argumentación algebráica perfectamente ejecutada.

Lo imaginario se funde con lo real, proporcionándonos una sensación irreal pero sumergiéndonos a la vez en lo que sucede, a pesar de que sepamos que todo forma parte de la imaginación de sus creadores, se mantiene cercana al espectador haciéndolo parte del juego. Imágenes cargadas de información y actuaciones espectaculares de su trío protagonista, Leonardo Sbaraglia, Eusebio Poncela, y un ya mítico Max von Sydow; completando de esta forma una de las mejores obras de intriga que se han hecho en mucho tiempo en nuestro país. No me extraña que Danny Boyle lo haya elegido para su secuela de '28 días después', hoy estrenada en nuestro país.

Y es que a pesar de que no crea en la suerte, sí que creo que cuando las cosas están bien hechas siempre tienen buen resultado, y así ha sido en esta ocasión, Fresnadillo nos regala un juego de intriga inteligentemente construido y emocionante hasta el último momento.

Mi valoración: 9

Movie Review: Brick - Rian Johnson (2005)

Paul Schrader, director y guionista, afirmó en 1972 que el cine negro había terminado con Sed Mal (Orson Welles, 1958), sin embargo, y curiosidades de la vida, él mismo firmaria el guión de una obra considerada de cine negro post-años 50, Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976). Por lo que, y a pesar de que muchos se esfuercen, el cine negro no ha muerto, todo lo contario, se regenera y se reinventa a sí mismo, siendo Brick un claro ejemplo de ello.

Y es que Rian Johnson nos regala un ejercicio de elegancia, ritmo, pulso y talento, para trasladarnos una trama propia del mejor film noir a un instituto dónde los adolescentes sueltan frases como una ametralladora, a veces ininteligibles, pero cargadas de retórica y fina ironía. Porque todo lo que rodea a la película es de un surrealismo, en ocasiones desconcertante, que nos transmite la sensación de que lo que estamos viendo no se corresponde con lo que estamos escuchando, o que la trama no encaja en ese enclave.

Y es cierto, se le puede criticar que su trama es totalmente ridícula o complicada de entender, pero no hay que negar que el ejercicio surrealista planteado en ésta película se sale de los canónes del cine para adolescentes, e incluso del mismo cine indie, dándo cómo resultado un espectáculo cinematográfico original y cargado de creatividad. Su análisis de unos submundos inventados aunque totalmente representativos de los reales, supone un ejercicio magistral de dirección y guión, asegurándonos el disfrute durante los 119 min. que dura la película. Lástima que lo emborronado de la trama no haga completo el goce, teniéndonos que esprimir el cerebro para saber exáctamente a qué están jugando los protagonistas o qué están realmente buscando.

Y es que está claro que el cine negro no ha muerto. A pesar de que algunos lo enterraron hace tiempo, vuelve a resucitar, aunque esta vez con una cuerpo y cara totalmente nueva: la de unos adolescentes con aires de mafiosos e investigadores audaces en busca de la verdad.

Mi valoración: 8

Movie Review: Zodiac - David Fincher (2007)

(I'm back, por fin ha pasado todo el jaleo de los exámenes, y la verdad es que han ido mejor de lo que esperaba. A partir de ahora espero cumplir con este blog, en la medida que pueda, claro)

Cuando un asesino logra matar a alguien en vida, ha colmado todas sus expectativas. A través de muertes reales, un asesino puede lograr que los que estén a su alrededor mueran también, y no hay peor muerte que la que en vida misma un ser humano puede sufrir. Zodiac lo consiguió, mató en vida a los que se obsesionaron con sus asesinatos, a los que a través de los años tuvo pendientes de una pequeña pista que les dieran con el "asesino del Zodiaco" y que por fin acabara con su persecución obsesiva. Zodiac se atribuyó decenas de asesinatos, aunque los únicos que estaban demostrados eran cuatro: dos periodistas y dos policías.

Y es que David Fincher ha dado una nueva vuelta de tuerca al thriller, después de ser uno de los grandes influenciadores del thriller moderno con Se7en, Fincher nos devuelve al cine policíaco de los 70, a las narraciones contadas con ritmo aparentemente lento pero sin descanso. A veces en tono de documental, a veces en tono terrorífico o a veces realista, Zodiac se convierte en una película inteligente y reposada. Porque uno de sus grandes valores está en proporcionarnos tanta información sin que nos saturemos, de forma paulatina vamos asimiliando todos los datos que los policías y periodistas tenían en sus manos para que lleguemos a nuestra propia conclusión, si bien la película hace un guiño sobre quién pudo ser el asesino. Terminando en una rigurosa construcción de lo que pudo ser.

En su contra juega que el ritmo se vuelve en ocasiones demasiado lento, proporcionándonos la sensación que estamos perdiendo el tiempo viendo cómo los investigadores seguían pistas falsas, o como tras un lapsus de algunos años que no se sabía nada de él, la película iba sin ningún rumbo concreto. Quizás es lo que quería transmitir el director, pero está claro que puede provocar en nosotros la completa y total desesperación. Y si a esto le unimos que por momentos estamos ante un documental puro y duro la decepción puede ser mayúscula.

Si bien, cuando todo parece que no tiene rumbo alguno, la película vuelve a retomar su sentido y nos proporciona momentos inolvidables, como por ejemplo, la entrevista con el hombre de la fábrica, un ejemplo magistral de narrar de formas distintas e independientes: con lo que cuentan sus actores y lo que cuenta la cámara, un trabajo de montaje y realización excelentes.

El tono sobrio que domina a la película resulta tremendamente atractivo, y no apto para amantes del cine videoclip. Y es que Fincher se deja de efectismos, de movimientos de cámara espectaculares o de secuencias persecutorias a cámara lenta, para demostrarnos que la sobriedad se puede convertir en obra de arte y a la vez formar una película entretenida, cosa que muchos deberían tomar nota (Mann, JJ. Abrams y compañía, por poner un ejemplo ;-)

Siendo un psico-thriller, Zodiac pretende retrarnos la obsesión de sus protagonistas por alcanzar al asesino, logrando que las actuaciones de sus actores sean magníficas. Sin embargo, ese retrato obsesivo da la sensación de estar incompleto, nunca deja entrever la profundidad de las obsesiones, no llega a lo más hondo de los personajes o de sus motivos.

Por lo que en definitiva, tenemos ante nosotros una obra maestra de cine policíaco, aunque por otro lado irregular en algunos aspectos, y a pesar de la legión de fans que ha logrado en la blogosfera, un servidor no cae en el elogio fácil y entusiasta. Es un psico-thriller muy bien montado y estructurado llevado de forma ingeniosa e inteligente, pero que a ratos se hace exasperante. Aunque, por otro lado, cuando uno se para a pensarlo en realidad no deja de ser como la vida misma: lenta y amarga. Y es que Zodiac consiguió grandes crímenes, pero los más efectivos fueron matar a cuatro hombres en vida de forma paulatina e inexorable.

Mi valoración: 8,5

Exámenes, exámenes

Los exámenes están haciendo estragos y un servidor que aparte de trabajar también estudia, no es ajeno a todo ello. Así que muy a mi pesar tendré que dejaros por unos diitas hasta que haya pasado todo este jaleo.

Cuando vuelva comentaremos éstas pelis:



















Y para despedirme, os dedico una canción, 'Either Way' del grandísimo grupo Wilco:

Nuevo vídeo de Paul McCartney dirigido por Michael Gondry

Vaya dúo, Paul McCartney poniendo la música y Michael Gondry las imágenes, ah, y Natalie Portman haciendo un papelito. Disfrutenlo.

"Dance Tonight" del albúm Memory almost full.

Movie Review: El viento que agita la cebada - Ken Loach (2006)

Para los más impacientes no os preocupéis que el viernes colgaré la review de 'Zodiac', problemas ajenos a mi voluntad me han impedido colgarla antes ;-)

La independencia de Irlanda del Norte es una guerra librada desde hace mucho tiempo, desde la invasión de los Anglo-normandos en 1169 por Waxford, el conflicto no ha tenido fin, si bien, períodos de relativa tranquilidad. Católicos y protestantes han peleado por lo que ellos consideraban sus derechos, unos (los católicos) para autogobernarse e independizarse de quién en su día los colonizó y otros (los protestantes) para poder vivir dependientes y ser partes del imperio británico. Por ello, la historia nos sitúa a comienzos del siglo XX, en lo que sería los comienzos del IRA, y justo antes y después de la Primera Guerra Mundial.

En sus comienzos la película tiene visos de veracidad y honestidad, pero se va tornando en un total y flagrante maniqueismo, en el que el director nos quiere imponer su forma de ver los hechos en todo momento. Ken Loach justifica una lucha armada que ha tenido dividida por siglos a una nación, dejando muy clarito quiénes son los malos (los británicos) y quiénes los buenos (los irlandeses), no dejando lugar a que el espectador tome sus propias decisiones en función de unos hechos contados con imparcialidad. Pero claro, es comprensible por otra parte que un director quiera dar su versión de los hechos, contar la historia a su manera y que cuando veamos otra versión entonces decidir. Pero ¿si cada uno exagera los hechos, a quién creer? Complicada cuestión, por eso tan sólo nos queda disfrutar de la película como un mero ejercicio cinematográfico, que por cierto, no está del todo mal.

Porque hechos históricos aparte, la película intenta desgranar los sentimientos de aquellos que participaron en el conflicto y que, muy a su pesar, tuvieron que matar incluso a aquellos que eran sus vecinos o que se habían criado con ellos. Contado con una loable y agradecida falta de emocionalismos baratos propios de un telefilm, resulta la puesta en escena sólida y de cierta intensidad narrativa, que la conduce a un final amargo, como un conflicto de estas características se merece.

Es por ello, que siendo un panfleto propagandístico, "El viento que agita la cebada" nos recuerda una triste realidad: las dos Irlandas del Norte siempre estarán, y que ahora que se ha proclamado su limitado autogobierno, las divisiones entre sus gentes no han sido eliminadas, porque la división ideológica sigue existiendo, aunque el conflicto armado haya concluido. Paradigma de una sociedad incapaz de lograr la unión total y sin prejuicios, en la que vecinos han tenido que luchar unos contra otros.

Mi valoración: 6

Movie Review: El camino de los ingleses - Antonio Banderas (2006)

Días de sol y calor, ha llegado el verano y con él una época de emociones, experiencias, alegrías y desgracias de quienes, como si la vida acabase mañana, devoran segundos al minutero ávidos de nuevas sensaciones antes que la época veraniega acabe y haya que volver a la triste y aburrida rutina. Calores y testosterona, mala combinación, con la calor las hormonas se revuelven y brotan con un ansia que en algunos casos es casi autodestructiva.

Aunque también el verano es época de poesía, ¿cuántos poetas escondidos no hemos descubierto en verano? Poesía tal como lo pretende ser este film, y aunque a ratos lo consiga, la apuesta le sale al señor Banderas fallida. Porque siendo lo que es, un experimento, 'El camino de los ingleses' pretende impactarnos con su poesía visual, con imágenes que queden para la posteridad, y es cierto, marcan en sentido visual, pero son vacías completamente de contenido. Y es que si unimos belleza visual y nula profundidad argumental, nos queda lo que tenemos: una película vacua, pretenciosa, grandilocuente y por tanto, fallida.

Aún contando con un "cast" lleno de talento y con una falta tremenda de dicción (soy andaluz y eso no es andaluz, eso es no saber hablar), la capacidad de sus actores está tremendamente desaprovechada, siendo enfocado el film única y exclusivamente al lucimiento de su director y personal de fotografía, siendo ésta última, por otra parte, excelente.

Curioso que siendo un actor de películas comerciales, Antonio Banderas nos pretenda regalar una obra de autor cargada de poesía y retórica, todo lo contario a lo que ha hecho como actor, aunque lo que le resulte es un "collage" de técnicas visuales mezcladas en una misma película sin sentido ni razón. Se entra o no se entra, dicen algunos, quizás eso sería lo más fácil de decir en estos casos, pero seamos realistas ¿cómo se puede prentender que entremos en una película que es lejana a nososotros, que no logra en ningún momento la complicidad con el espectador? La experiencia no funciona ni como video-arte, porque hasta eso tiene un mínimo de interactividad con sus espectadores, cosa que aquí brilla por su ausencia.

Como decimos en el sur "el verano es mu malo", y así es, junto a las emociones y nuevas sensaciones vienen las locuras y, por tanto, sus consecuencias, locura como esta película, y si lo miramos desde ese punto vista no desentona demasiado, verdad?

Mi valoración: 4

Oscar Peterson: Pianista por salud

Oscar Peterson tuvo una crianza musical, su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano, y él comenzó a tocar la trompeta, hasta que al contraer tuberculosis tuvo que dejar de tocar instrumentos de viento. Curiosamente, ésto lo obligó a tocar otro instrumento, en este caso el piano, y mira por dónde, se convertiría con el tiempo en uno de los mejores pianistas de la historia del jazz.

Encasillado por algunos, erroneamente, entre Art Tatum y Bud Powell, Oscar Peterson tiene un estilo muy personal y definido: de portentosa capacidad instrumental, ha alcanzado con las 88 teclas del piano, una fuerza expresiva, un poder rítmico, y un sentido del blues absolutamente extraordinario.

En sus primeras actuaciones sorprendía a su público por la velocidad que tocaba el piano, ésto le permitió ir desarrollando su carrera tocando en diferentes formatos aparte del solista y que terminaría conduciéndolo a su gran especialidad: el trío. Curiosamente las críticas comenzaron a decir que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra (como estaba acostumbrado), así que para acallar esas críticas contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por Ed Thigpen. Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal, marcando un estilo propio inigualable.

Con el tiempo la salud física volvería a dar un giro a su carrera, en 1993 sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa, pero nuevamente su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.

Y es que Oscar Peterson es un pianista por salud y a pesar de ella.

Movie Review: Paris je t'aime - Directores varios (2006)

Nunca he estado en París, aunque siempre he soñado con esa ciudad. Siempre he soñado con pasear por los Campos Elíseos, subir a la Torre Eiffel, visitar la catedral de Notre-Dame, dar una romántica caminata por la orilla del Senna, degustar una suculenta cena en uno de sus exquisitos restaurantes... pero ya no necesito soñar, disfrutando esta obra coral de magnificos directores suple con creces mis ansias de visitar París.

Si dicen que es la ciudad del amor, que menos que sea el amor el elemento común de los diferentes cortos ubicados en cada barrio parisino. Amor interracial, filial y por supuesto, romántico. Un tema eterno e inagotable, una fuente de creación imperecedera, que realizado con mimo resulta en obra maestra en algunos de los cortos.

La lista es larga, aunque cargada de talento: Transición de los capítulos a cargo de Emmanuel Benbihy: Olivier Assayas (Quartier des Enfants Rouges), Frédéric Auburtin & Gérard Depardieu (Quartier Latin), Gurinder Chadha (Quais de Seine), Sylvain Chomet (Tour Eiffel), Joel & Ethan Coen (Tuileries), Isabel Coixet (Bastille), Wes Craven (Père-Lachaise), Alfonso Cuarón (Parc Monceau), Christopher Doyle (Porte de Choisy), Richard LaGravenese (Pigalle), Vincenzo Natali (Quartier de la Madeleine), Alexander Payne (14e arrondissement), Bruno Podalydès (Montmartre), Walter Salles & Daniela Thomas (Loin du 16e), Oliver Schmitz (Place des Fêtes), Nobuhiro Suwa (Place des Victoires), Tom Tykwer (Faubourg Saint-Denis), Gus Van Sant (Le Marais)

El resultado, 18 piezas cinematográficas que en su conjunto forma una obra imprescindible, algo que todo buen soñador parisino y enamorado de la ciudad no se puede perder. Y es cierto, algunos chirrían entre tanta calidad, pero otros sorprenden y nos dejan boquiabiertos como el dirigido por el director de la deliciosa película de animación Bienvenidos a Belleville, Sylvain Chomet y su corto inspirado en la vida de unos padres mimos en el barrio de Eiffel. O el que dirige nuestra patria directora Isabel Coixet, que por cierto, usa en su banda sonora una pieza de "Cinema" del maestro Rodrigo Leao y que comentábamos hace poco en este blog.

Y es cierto, aún sigo soñando con París, aunque ahora mis sueños se han convertido en imágenes cinematográficas, que por algo dicen que las películas están hechas de la misma materia que los sueños...

Mi valoración: 8,5

Movie Review: Toma el dinero y corre - Woody Allen (1969)

Virgil era un joven tímido, agradable y culto, pero que se sentía agraviado por la autoridad que ejercen sobre él. Pronto comienza una vida de fechorías, robando máquinas vendedoras de chicle.

Y es que ser ladrón no es fácil, tras una infancia traumática e incomprendida, Virgil no tiene más remedio que verse impulsado a robar maquinas de chicle, un delito penado en por lo menos... un par de estados. Ahí da comienzo una vida de delincuencia y en permanente huida. Tras fracasar en varios trabajos (tocando el violonchelo en una orquesta cargando con el instrumento, por ejemplo) entendió que lo suyo era robar... o no?

Entre el falso documental (genial las declaraciones de los padres con máscaras de gafas y bigotes para que no los reconozcan), la ficción y la sucesión de sketches, el genial Woody Allen, firma una más que notable ópera prima. Con medios artesanales, y sin apenas experiencia, se vale de referentes en el cine como Chaplin, Keaton o Billy Wilder para combinarlos con diálogos destornillantes y abstractos que más tarde le harían famoso y sería un sello inconfundible de su estilo. Un estilo que también se hace evidente en el apartado visual, dotando a cada fotograma un aspecto casi personal, que más tarde también desarrollaría con más madurez.

Si bien, en contra tiene que su trama padece de una carencia total de dramatismo y/o trascendicia, quedando ante nosotros sencillamente una hora y media de risas, plagadas de situaciones graciosas o simpáticas, que no pasaran a la historia. Aunque quizás ese no era el objetivo del director, cuando (inevitablemente) lo comparamos con otras comedias posteriores, nos encontramos que con el tiempo supo desarrollar tramas muy bien logradas con diálogos y situaciones irrisorias (Veáse "Misterioso asesinato en Manhattan").

Y es que el genio se estaba afilando los dientes a la espera de lo que serían grandes obras maestras y que lo convertirían en uno de los mejores cineastas de la historia (por lo menos para mí). Porque cuando uno es un ladrón fracasado, lo única esperanza es correr, correr, correr... y aver qué pasa.

Mi valoración: 8,5

Relevo generacional

En la primera, cuadro impresionante (nunca mejor dicho, jeje) del artista J.M. William Turner, 'Fighting Temaraire' colgado en la National Gallery de Londres, un remolcador de vapor remolca a un velero hacia el dique seco. Concluye así una era de románticismo, belleza, descubrimientos y épica, dando paso a una era de revolución industrial y contaminación, fría, oscura y sucia. Todo un relevo generacional.

En la segunda, otra era de descubrimientos, viajes al oriente, intercambio de culturas y desarrollo económico que fundamentaría la riqueza del Londres actual, gracias a la labor del Cutty Sark; es relevada por una era de vandalismo, barbarie y necedad.

A dónde vamos a llegar!

Movie review: Machuca - Andrés Wood (2004)

Pedro Machuca y Gonzalo Infante son dos niños con mucho en común, su edad, su vitalidad contagiosa, sus ganas de jugar y de experimentar, y ahora, el colegio, el elitista "San Patrick" que en un ejercicio de idealismo por parte de su director, los une por un tiempo; aunque el mundo que les rodea se esfuerza por lo contrario, ese mundo de ricos y pobres, de gente de izquierdas y de derechas, se esfuerza por hacerlos diferentes, por separarlos a pesar de todo lo que les une.

Época revolucionaria la que asolaba Chile, allá por el 1973, en la que seguidores de Pinochet y Allende se disputaban las protestas, a cual más escandalosa, y en el centro, esos niños ajenos a tanto movimiento idealista, únicamente preocupados por jugar o por ir en bicicleta (uno conduciendo, el rico, y el otro montado, el pobre) de un lado a otro. Disección de un país a través de la mirada de unos niños, una mirada pura, sin prejuicios, únicamente guiados por los dictados de su corazón, tenemos que aprender tanto de ellos...

De impresión sólida y exacta, "Machuca" nos introduce en las entrañas de un país, un país dividido por meros intereses políticos, algo tan común aún en los tiempos en que vivimos, sin nunca decantarse por ningún bando, sino simplemente narrando unos hechos a través de la atenta mirada de sus pequeños protagonistas. Por ello, es invevitable su cariz social tan típico en el cine sudamericano pero que hecho con maestría transmite de forma poderosa y efectiva los males de una sociedad en crisis, como es este caso.

El manejo del tempo permite a los actores desarrollar sus personajes a la perfección, llegando a conectar con el espectador de una forma bárbara a pesar de la juventud de sus dos principales. Su amistad se desarrolla a tal nivel que no sólo propone una simple rotura de barreras sociales, propone la unión la raza humana en su totalidad, a través emociones, pensamientos, inquietudes susurrados en el viento, resultando en un abanico de emociones sinceras y puras.

Borrachera de sensaciones al servicio de una fotografía que alcanza unos níveles sublimes, llena de luz y color en su comienzo, tornándose en lúgubre y fría en su terminación, revelándonos el cambio emocional de sus protagonistas y, por tanto, de todo el país. Y es que no hay nada más puro y sencillo que la amistad de unos niños, si en todo el mundo se siguiera esa simple regla ¡qué diferentes serían las cosas!

Mi valoración: 9

Music Review: Cinema - Rodrigo Leão (2004)

Nuestra vida necesita de una banda sonora, es imprescindible poner música a todas esas emociones, sentimientos y pasiones vividas, y no hay mejor banda sonora que este disco, descubierto recientemente por un servidor (gracias Diana!!).

De aire íntimo, elegante y exquisito, la musica nos sumerge en lo mejor de nuestra vida, sin darnos cuenta nos arrastra a todos esos momentos que hemos experimentado y que se encuentran en algun lugar de nuestra mente, los cuales son un placer volver a rememorlarlos. Basándose en películas de Lynch, Almodóvar o Visconti el disco se convierte en una pieza multicultural donde prima la melancolía, la belleza y lo sobrecogedor.

Su comienzo, "Cinema", es simplemente genial y la canción que cierra el disco "Antonio", es una pieza de piano de aire intimista dedicada a su hijo pequeño, que pone colofón a una obra maestra, de esas que perduran para siempre.

Y es que si mi vida tuviera banda sonora, sin duda sería este "Cinema" del maestro Leao.



Mi valoración: 10

Movie Review: The Fountain - Darren Aronofsky (2006)

La profesión de funambulista no tiene precio, mientras haces malabarismos para entretener al personal, te juegas la vida sobre la cuerda floja. Los demás se lo pasan bien mientras te ven haciendo esos malabarismos que parecen tan sencillos, mientras tú estás haciendo todo un ejercicio de concentración y coordinación, mientras tu vida pende de un hilo... y nunca mejor dicho. Darren Aronofsky es un funambulista, no le importa arriesgar su carrera cinematográfica a cambio de proporcionarnos una obra de arte propia de los mejores malabaristas, aunque el resultado final no sea del todo completo, pero bueno, eso también depende del ojo de cada uno...

De argumento sencillo, aunque no simple, "The fountain" se centra en la búsqueda de la eternidad, bien sea en el siglo XVI, XXI (2006) ó XXVI. A partir de esta premisa la película toma elementos espirituales y filosóficos para explicar una sencilla cuestión: la negación del hombre ante la muerte, ese deseo por el que generaciones anteriores lucharon y que aún hoy día es objeto de numerosas investigaciones, y, por lo tanto, algo que forma parte de la naturaleza humana. Y es que somos seres hecho para vivir, nos negamos a la muerte, así que hacemos lo que haga falta para conseguir la eternidad.

Lo malo es que mientras dura la búsqueda muchos van muriendo, y entre ellos nuestros seres queridos. A duras penas aceptamos nuestra propia muerte pero ¿y la de la persona que más amamos? Nos resistimos a aceptarlo, y a esa resistencia tenemos que unir impotencia, la de no lograr lo que más deseamos: que esa persona esté para siempre con nosotros. Por ello, el film es una contínua sucesión de imágenes que se repiten, como si el ciclo se repitiera, siempre con el mismo final, como si el protagonista se hallara atrapado en la misma historia una y otra vez, hasta que no consiga su objetivo nada cambiará, las vidas de otros seguirán acabando inexorablemente.

Su precisiosismo visual es impresionante y su banda sonora irrepetible, pero lo malo es que tanta cáscara tiene el riesgo de estar vacía, y aunque el resultado final es bueno, no termina de ser completo. Y es que esta película da la sensación de ser demasiado compleja, cuando en su conclusión es sencilla: la muerte es el comienzo de la vida. Por ello tiende a llevar a engaño al espectador, haciéndolo pensar que ha visto un espectáculo cinematográfico para en realidad poco contenido. Pero es en la mente de cada espectador dónde la película hace su trabajo. Deja su semilla dentro de nosotros y ahora le toca a cada uno hacerla crecer. No es tarea fácil, pero sin duda, original.

Por ello, a los funambulistas se les aprecia que se arriesguen, aunque a veces el resultado no sea para darle un 10, pero tan sólo por el esfuerzo, se merece una nota alta.

P.D. Todas las conclusiones expresadas en este post son fruto de unos calentamientos de cabeza impresionantes, así que no se alarmen. En vista de la complejidad de la película recomendamos un segundo y hasta tercer visionado y si es en VOS, mejor que mejor, jeje.

Mi valoración: 9

Movie Review: Spiderman 3 - Sam Raimi (2007)

Caer atrapado en una teleraña no tiene que ser nada agradable, mientras permaneces inmóvil, sin poder articular, la araña avanza hacia tí inexoráblemente con un hambre atroz. Sam Raimi estaba atrapado en una telaraña, en una telaraña de dudas cinematográficas y necesitado de referentes, el peso de dos películas anteriores medio decentes y, como no, ganas de agradar a todo el mundo; mientras la tarántula de la industria se le avanzaba inexoráblemente con hambre de exitos en la taquilla.

De ahí el resultado: mediocre, sin sentido, falto de personalidad y sin explotar las imnumberables y jugosas opciones que se le planteaban. Se suponía que en ésta parte de la saga, el protagonista era el lado oscuro de Spiderman, pero ¿dónde está? ¿Qué se ve reflejado en su cambio de peinado, por cierto, ya usado en los anales del cine? ¿O en su baile tipo La máscara? Resuelto de forma tan ridícula e irrisoria, parecía mentira que el mismo director hubiese firmado dos entregas anteriores, cuando menos, decentes.

Aparte de sí mismo, a Spiderman le salen nuevos enemigos, enemigos a los que no podemos distinguir realmente cuáles son sus motivos o sus carácteres, y es que la cuota de pantalla es lo que impera, los malos no pueden salir más que el bueno y su chica, que por cierto, su relación tonta y ñoña por fin ha conseguido desesperarnos completamente. Demasiada subtrama para tan poco tiempo, y lo que nos queda son conflictos resueltos por la vía rápida y metidos con calzador, dignos de una parodia de sí mismo más que de una nueva entrega de la saga.

Del 'cast' mejor no hablemos ¿dónde está el Tobey Maguire de Las normas de la casa de la sidra? Lo de este chico es digno de estudio, y del resto mejor no hablar, quizás el que más se salve sea Thomas Haden Church, haciendo de "sandman", aunque cómo decíamos con poquísima cuota de pantalla.

Guión pobre y con resoluciones tremendamente cutres y, como no, abundancia de chistes fáciles. Y si a todo lo anterior le añadimos la escenita ya típica de la saga de "Spidy" con la bandera de barras y estrellas ondeando mientras aparece como salvador de la nación y, por tanto, de la humanidad, mejor nos vamos al campo a coger flores, que aprovecharemos mejor el tiempo.

Sin duda película para los que quieren un poco acción y escenas rápidas, pero que eso de pensar o de que una película tenga profundidad les importa poco. Y es que, como decíamos al principio, la tarántula de la industria está feliz, se ha merendado a todo un exito de taquilla, la comida le ha sentado bien, aunque a costa de eso haya dejado a los amantes del buen cine sin una buena obra.

Mi valoración de la saga:
Spiderman: 5
Spiderman 2: 6
Spiderman 3: 4

De Tarraco a Barna (Mis mini-vacaciones)

Estas vacaciones han cumplido su propósito: He desconectado, descansado, y visto a mis amigos, que era lo más importante. De camino he conocido mejor Tarragona, Sitges, Salou y mi querida Barcelona, que sigue tan bonita como siempre.

Ahí van algunos recuerdos capturados:

Como todo no ha sido descansar, he cargado la saca de pelis, preparaos para las "reviews" que en breve colgaré, éstas son las que vendrán (por cierto, "The Fountain" la ví en VOS en Cines Icaria de Barcelona):

I need a break!

Después de ver cómo muchos disfrutaban de un "acueducto" impresionante, un servidor necesita un descanso (merecido, creo yo). Es hora de descansar, reciclarse un poco y volver con más ganas. Mientras tanto os dejo con entretenimiento:

Ah! y por cierto, ¿a qué no adivináis dónde voy?

Fácil ¿no? Al primero que lo acierte le regalaré una cinta de audio de sardanas grabadas de la radio, una ganga señores!

Por cierto, volveré por estos lares sobre el 14 de Mayo, mientras tanto cuidaros mucho.

Nos vemos!

Movie Review: 'El último show (A prairie home companion)' - Robert Altman (2006)

La radio ya no es lo que era, los impersonales y fríos ordenadores han sustituido a las actuaciones en directo, los anuncios enlatados han acabado con los estribillos pegadizos y letras picantes a juego con la marca anunciante. Y es que la radio era una obra de artesanía en la que participaban un elenco de presentadores, actores y músicos, y que en la duración de sus programas nos hacían reír, llorar y emocionarnos. Todo eso terminó, y como emotivo y sincero homenaje Robert Altman, uno de los mejores directores de la historia, nos ha dejado esta disfrutable obra póstuma a modo de testamento.

Pero la vida sigue, y eso es lo que ésta película nos quiere reflejar, cual programa de radio la vida tiene un ciclo, está el preámbulo dónde los participantes se cuentan historias, se ríen e incluso aman. Durante el desarrollo del programa a veces las cosas van cómo se habían previsto, pero también surgen imprevistos, cosas de la vida, no siempre se puede predecir qué va a suceder. Y cuándo el tiempo asignado se acaba, la vida va terminando, el show se termina y es hora de recapitular, de reflexionar y de asimilar todo lo vivido. Pero la vida sigue, no todo acaba ahí, es por ello que la película deja una sensación de que no todo está terminado, de que no todo esta perdido, la vida de una persona puede terminar, pero la vida de los demás sigue, prolongándose la proporción al infinito, milagros de la existencia...

Díficil de destacar a un actor en concreto cuando se trata de un 'cast' coral, pero que menos que mencionar que Kevin Kline, Meryl Streep, y una madura pero a la vez soberbia Lily Tomlin, están sobresalientes. Tratándose de un director especializado en esta forma de trabajar era de esperar un resultado al menos notable.

Pero siguiendo con la metáfora de la vida, como en toda existencia que se precie abundan las conversaciones triviales aunque también las profundas, y si bien en este guión no abundan las profundas, no es más que un reflejo de lo que vida misma, una sucesión de relaciones en las que tan sólo a veces uno deja descubrir la profundidad que lleva dentro. Por ello, y sin comparar con otras obras del director, el resultado es un retrato fiel y real de lo que en nuestra vida nos encontramos.

En definitiva, un film recomendable para nostálgicos patológicos y para todos aquellos que en algún momento creía que un ciclo terminaba y que daba comienzo otro, porque a veces la vida puede ser el último show... hasta que comience el siguiente, claro.

Mi valoración: 8,5

Movie Review: 'El Padrino' - Francis Ford Coppola (1972)

En una pequeña villa de la montaña Siciliana, se gestan los mayores golpes que la historia jamás haya visto, los asesinatos son pactados en reuniones vespertinas y el reparto del botín se hace entre niños correteando por la casa. Corelone es un pueblo aparentemente tranquilo, pero en sus entrañas habitan los mafiosos más buscados por las policias internacionales, y de ahí se exporta el saber hacer mafioso a países donde el dinero se imprime con sangre. Little Italy es un Corleone exportado a Nueva York, y con él todos sus sucios negocios, sus asesinatos a plena luz del día y como no, sus tremendos restaurantes de pasta dónde alguno que otro termina reposando su cabeza en el plato de spaguettis.

"La familia es lo más importante", ese el lema de los clanes italianos, clanes cuyo máximo dirigente y patriarca es el "Padrino". El Padrino todo lo ve, oye y de su boca salen las ordenes a seguir. Cuál dios omnipresente, todo se hace con su beneplácito y bajo su aprobación. Si alguien necesita un favor, El Padrino se lo concede gracias a su bondad inmerecida.

Por ello, el retrato de esta particular forma de vida por parte del maestro Coppola es fiel y tremendamente detallado, llegando a límites inauditos, digno de alguien que ha vivido muchos años dentro de este tipo de organizaciones, quizás haya sido así... Sus personajes parecen sacados de ese pequeño pero activo barrio de Nueva York, dónde los puestos de fruta y los restaurantes de pasta se suceden a lo largo de su calle principal, Canal Street. Las actuaciones de Marlon Brando y Al Pacino han quedado para la historia, esa paulatina pero profunda transformación del personaje de Pacino, desde ser un "outsider" de la familia a convertirse en un jefe seguro, decidido y sorprendentemente frío debería formar parte de la cultura general impartida en las escuelas y universidades.

De desarrollo a veces lento y tedioso la evolución de la trama nos atrapa y nos introduce en mundos poco conocidos por nosotros pero tremendamente atractivos. Universos paralelos que están ahí y que con una maestría nunca antes vista, aparece ante nuestros ojos cual tesoro recién descubierto. Un regalo para todos los amantes del cine, pero un cine en toda su esencia, puro, sin excentricidades, directo y sincero.

El mundo del cine estaría huérfano sin su "Padrino", y de eso no cabe ninguna duda, marcando un antes y un después no habría (ni habrá) película que la supere, bueno, excepto la segunda parte, aunque de eso nos ocuparemos otro día...

Mi valoración: 9,5 (El 10 lo tengo reservado a la segunda)

Movie Review: 'La vida en rosa (Edith Piaf)' - Oliver Dahan (2007)

Para alguien cómo Edith Piaf la vida es muy sencilla, sólo consiste en hacer punto y cantar, todo lo demás sobra. ¿Para qué más si eso la hace feliz? Para alguien que ha encontrado en el cantar el refugio perfecto a sus más profundas decepciones, el medio ideal de expresar sus emociones (aunque en realidad no fueran suyas), y sobretodo la forma en la que permancer con vida en medio de un mundo hostil y desangelado, eso es más que suficiente.

Siendo lo que es, un biopic al uso, no se podía esperar mucho de esta película, aunque en cierta forma se aleja de lo corriente. Con un comienzo de lo más cercano al telefilm, el director nos va introduciendo en el universo particular de "la niña Piaf" ("La môme piaf" o "La môme" a secas), contándonos sus humildes y devastadores orígenes, pasando por su juventud entre circos ambulantes y clubs de París dónde la música sonaba de fondo y servía para ahogar los gritos del gentío.

Sin embargo, la película evoluciona al compás de la protagonista, a medida que Edith gana fama y en toda su apariencia se vuelve más sofisticada (aunque en el interior siga siendo una chabacana) la película se torna más clara, más nítida y sus imágenes intentan expresar algo. Algo que no se sabe muy bien qué, pero que por lo menos demuestra buenas intenciones, incluso en alguna que otra ocasión logra emocionar, esa escena con ella en el escenario actuando dónde tan sólo suena la música es de lo más conmovedor, en una película que se supone debe emocionar de principio a fin. Aún así, uno logra simpatizar con la protagonista, sin caer en la divinización (algo difícil tratándose del país galo), llegamos a excusar sus excentricidades e incluso a reirnos con sus salidas de tono, y es que en el fondo todos somos humanos y el conocer los orígenes de alguien nos hace ponernos más en su lugar.

Todo ello contado de una forma muy original (bueno, ya hoy día no tanto): a través de saltos en el tiempo, logrando una perspectiva amplia de la cantante, que un sólo vistazo nos demos cuenta de cómo era de pequeña, de adolescente y justo antes de morir no es sencillo, pero aún así se logra con una sorprendente efectividad.

Marion Cotillard está tremenda en su papel, nunca vi a Edith Piaf en persona, pero si la viera estaría viendo a ésta actriz. Tanto por su caracterización física, por su forma de moverse y de andar e incluso por los gestos en la cara, desvelan que nos encontramos ante una actriz que puede darnos muchas alegrías de aquí en adelante, eso si deja a un lado proyectos como 'Un buen año' claro.

Pero la verdadera protagonista es la música de Edith, suena, y vaya si suena, sus canciones llegan directas al corazón, su evolución como cantante es perceptible, volviéndose su pronunciación más clara y entendible después de su 'affair' con un profesor. Un festín para nuestro paladar auditivo.

Por lo tanto, una película disfrutable con los sentidos y a pesar de su larga duración, interesante en su desarrollo. Porque como decíamos al principio, lo de Edith Piaf tiene mérito, transformó una vida complicada en algo muy sencillo: cantar y hacer punto. Y es que a veces la felicidad está en las pequeñas cosas, o no tan pequeñas...

Mi valoración: 8

Proyecto Sesiones Dobles: Gracias a todos!!

Enhorabuena a tod@s! La primera entrega del "Proyecto Sesiones Dobles" ha sido todo un éxito. Y para que sirva de homenaje y resumen, aquí tenéis un extracto de vuestros comentarios:

La relación entre Li-zehn y Chow va creciendo poco a poco, serenamente, basándose en complicidades y en compartir secretos. Su relación se basa en el respeto mutuo, en estar atento a las necesidades de la otra persona. En crear un mundo único entre ellos: en no regalar el mismo bolso o la misma corbata a dos personas - Books&Films

En esos amores imposibles, en esos momentos insubstituibles, reside la esencia del anhelo, del tormento y la felicidad. Wong Kar-Wai se ha erigido como el cineasta del deseo y la memoria. A degustar con los sentidos, a sublimar con la reflexión. - Cineahora

A mí me ha parecido una historia de amor tristísima, formada por pequeños detalles, sensible (tal vez demasiado, pero nunca sensiblera), que sin duda añadiría a mi lista de “Las historias de amor más tristes del mundo” - Cinematic World

Una tristeza especialmente luminosa, especialmente esperanzadora, una tristeza que impregna por entero la historia, a los personajes, sus relaciones, sus decisiones, pero que no deja de ser bella, enigmática y necesaria. - El día del cazador

Así, con retazos en un principio inconexos, que van tomando forma dentro del puzzle de la memoria, Wong-Kar Wai va construyendo una historia de amor entre dos personas a las que apenas vemos tocarse, cuyo destino se une por mero azar porque, como dice la canción, están cerca - El diario de Mr. Macguffin

Estas dos peliculas tienen una belleza grandisima y cuando ves una pelicula asi, disfrutas con los sentidos, la musica (espectacular y emotiva en ambas), la belleza de las escenas, los grandes actores... - Himnen

Encandilar es fácil, atrapar no. Emocionar cuesta, conducir tramposamente -y mal, mejor hacer trampas bien- es lo más fácil del mundo. Kar-Wai es el maestro de la sugestión, original, atrapa, se sirve del cine más enigmático, tanto si interesa la historia como si no - Fábrica de ilusiones

Si la poesía se pudiese expresar fielmente en imágenes sin duda In the mood for love seria uno de los poemas más hermosos jamás escritos. - Padded Room: Chronics Floor

La voluntad del director de crear un universo estético en todos sus sentidos queda más que patente y plenamente conseguido. Una obra de una belleza plástica tan arriesgada como la de In the Mood for Love es destacable en estos tiempos que corren. - El lamento de Portnoy

Todo en ella es plástica, imagen, recreación visual. Tanto que a veces olvidas estar viendo una película para sentirte etérea, en brazos de un amor que es imposible pero que tiene tanta fuerza que traspasa la pantalla. - La mujer justa

Pero no puedes evitar sentir, viendo Deseando Amar, que esta película roza la perfección. Wong Kar-Wai tiene el mérito de transformar, gracias a la magia del buen cine, una historia mil veces vista en un hermosa, sencilla y pausada obra maestra. - Sesión Doble

Ninguno de los personajes llega a vislumbrar un desenlace feliz de su vida así que quizás estemos asistiendo a la idea de que detrás del amor correspondido y la felicidad soñada esté sólo el hecho de encontrar a esa persona en el momento preciso. - Ekilore

Memoria es invención del pasado, imposible de atrapar más que imposible de recuperar. Sobre todo el pasado amoroso, que probablemente nunca fuera como nos empeñamos en las mitologías que sobre nuestras vidas creamos. Vivimos siempre en la habitación 2047, no obstante, siempre nos vamos a empeñar en que la esencia de nuestra vida se quedó en la habitación 2046 - Rulemanes para telémaco

En “2046”, sentido y sensibilidad se abrazan para dar cobijo a una visión descarnada, pesimista, extenuante de nuestra naturaleza romántica, es decir, espantosamente real - Arteyliteratura

WKW tiene alma de jazzman, es un improvisador nato en la escritura y en el plató; y, sin embargo, sus películas resultan de una mezcolanza de orfebre y relojería suiza que le hacen un ARTISTA subyugante. Sí, se merece las mayúsculas. - La linterna mágica

Kar Wai recurre a detalles en roces aparentemente casuales, miradas que se entrecruzan o que se esquivan - si no son ellos los que se cruzan bajo la lluvia en un restaurante de comida para llevar al que bajan siempre - o una habitación de hotel, de número que sospechosamente recuerda al de la siguiente película. - El trono de Hatti

Cada plano esta plagado de detalles que sumergen al espectador en una historia cargada de lirismo. El color rojo, la lluvia, el humo de los cigarrillos, la música y sobre todo esa habitación 2046 convierten hechos sencillos, cotidianos, en escenas de una pasión inusitada. - Palabras ocultas

Pero después de ver 2046, uno tiene la sensación de que Wong Kar-Wai ha estado más pendiente de no repetirse que de filmar con sentido. ¿Resultado? Una película dispersa que fracasa en todos los frentes: en ser segunda parte y en ser, sencillamente, película. Menuda decepción. - Mitte

Me subo al tren 2046 para recuperar aquello que perdí, pero sólo encuentro lo mismo, seres incapaces de hacerme feliz, les susurro mi mayor secreto y son incapaces de contestarme, no son capaces de satisfacer mis anhelos más profundos, nada te puede sustituir. - The Observer

Muchas gracias a todos los que habéis hecho este proyecto una realidad, y a los que os apuntásteis pero al final no habéis podido cumplir, gracias también. Por cierto, id pensando a quién le vamos a dedicar la siguiente "Sesión Doble".

Nota: Hay vida después del proyecto, así que seguiremos con nuestra programación habitual en este blog.

Proyecto Sesiones Dobles: Deseando Amar - Wong Kar-Wai (2000)

Comparto mis silencios contigo, mis secretos, llenas mis ratos solitarios, estás a mi lado, aunque sea sin decirme una palabra ¿hay algo más perfecto? Podría morir así, junto a tí, simplemente viendo el tiempo pasar... Mi felicidad está en compartir momentos triviales contigo, en cosas sin importancia, pero que me aseguran que estás ahí, aunque sepa que no será para siempre. Ambos sabemos que esto terminará algún día, la habitación 2046 no estará siempre disponible y nosotros tendremos que separarnos.

Yo no volveré a ser el mismo, pero eso ahora no importa, ahora sólo quiero estar contigo, así, juntos, mientras la lluvia cae sobre nosotros, paralizaría este instante, lo mantendría eternamente, la vida está llena de momentos inolvidables. ¿Volverás?

(Un regalito, final alternativo incluido en el DVD)



Sigue el proyecto en Books&Films, ¿Y si esta vez te quedaras?, Cineahora, Cinematic World, El día del cazador, El séptimo arte, El diario de Mr. Macguffin, Marco Velez, Himnem, Fabrica de ilusiones, Padded Room: Chronics floor, El lamento de Portnoy, La mujer justa, Bogotá 35MM, Ojo de buey, Viaje a Itaca, Sesión Doble, Ekilore, Rulemanes para Telémaco, Arteyliteratura, La linterna mágica, Rod@ndo, El trono de Hatti, Palabras ocultas, Mitte, The Observer

Proyecto Sesiones Dobles: 2046 - Wong Kar Wai (2004)

¿Será posible recuperar ese amor que un día perdimos? ¿Servirá para algo ir en este tren dónde nada cambia? La verdad es que no lo sé, nadie volvió nunca de allí para contarlo. Vivo del pasado, no me comprometo con el presente y nunca pienso en el futuro. ¿Te tendré algún día Shu Zen? Seré incapaz jamás de prestar a alguien más mi tiempo. El final de mi historia no será nunca feliz si tú no estás aquí, por mucho que pasen 100 horas para invertarme uno.

He renunciado al compromiso, ahora prefiero el amor pasajero, el que se puede pagar con dinero o acciones, quiero enterrar el pasado, ya no escribo novelas de artes marciales sino de sexo, eso tan efímero... pero cuanto más huyo más me doy de frente con la realidad, te echo de menos y todo me recuerda a tí, a esos momentos felices que pasamos, acentuando mi soledad y la melancolía que ya forma parte de mi ser.

Me subo al tren 2046 para recuperar aquello que perdí, pero sólo encuentro lo mismo, seres incapaces de hacerme feliz, les susurro mi mayor secreto y son incapaces de contestarme, no son capaces de satisfacer mis anhelos más profundos, nada te puede sustituir.

Esto no funciona, quizás intente bajarme del tren, aunque nadie lo haya conseguido antes...

Sigue el proyecto en Books&Films, ¿Y si esta vez te quedaras?, Cineahora, Cinematic World, El día del cazador, El séptimo arte, El diario de Mr. Macguffin, Marco Velez, Himnem, Fabrica de ilusiones, Padded Room: Chronics floor, El lamento de Portnoy, La mujer justa, Bogotá 35MM, Ojo de buey, Viaje a Itaca, Sesión Doble, Ekilore, Rulemanes para Telémaco, Arteyliteratura, La linterna mágica, Rod@ndo, El trono de Hatti, Palabras ocultas, Mitte, The Observer

El Padrino y sus historias

Los Corleone no son una familia normal, mientras los niños corretean felices entre los mayores, éstos hablan sin pudor de negocios, asesinatos y palizas. "La familia es lo más importante" dicen, y para protegerla hay que pagar el precio que haga falta, incluso si el precio es la propia vida.

Ahí van algunas curiosidades de la saga "El Padrino", como aperitivo a la "review" que colgaré más adelante:

- La dirección se le ofreció en un principio a Sergio Leone, pero lo rechazó.

- El palo que Sonny Corleone (James Caan) le lanza a Carlo (Gianni Russo) en la escena de la pelea entre ambos, es algo totalmente improvisado por James Caan, Gianni Russo no sabía que este le arrojaría ningún objeto porque no estaba en el guión, fué algo que improvisó James Caan para acentuar la actuación de perplejidad de Gianni Russo.

- Las naranjas como aviso de una muerte próxima. Vito Corleone es disparado después de comprar naranjas, y muere con una naranja en su boca.

- En la escena en que muere Don Vito Corleone mientras juega con su nieto, Marlon Brando llevaba puestos unos dientes improvisados con recortes de cáscaras de naranjas. Esos dientes de naranja estaban fuera de guión, para la escena estaba previsto que Don Vito jugara con su nieto y súbitamente muriera de un ataque al corazón. Pero previo al rodaje, Marlon Brando para ganarse la simpatía del niño con quien compartiría la escena, decidió jugar con él, para lo cual recortó una dentadura grotesca con las cáscaras de las naranjas que ya estaban dispuestas para la escena y jugó a perseguirlo como si fuera un gorila. Este juego gustó tanto a Coppola que lo incluyó en la version final de la película.

- Muy poca gente del equipo de rodaje de la película confiaba en Al Pacino. Lo criticaban por su estatura, su manera de hablar y actuar, y hasta se reían de él durante los primeros días de rodaje. Sin embargo, fue tras filmar la escena del asesinato del turco y el capitán de la policía, cuando se ganó el respeto de sus detractores. Parece ser que les impresionó su actuación.

- En la novela de "El Padrino" el personaje de Johnny Fontane tiene mucha más relevancia que en la película. Parece ser que el mismo Frank Sinatra presionó para que se evitasen el mayor número de similitudes entre Fontane y él. De ahí la brevedad en la trama de este personaje.

- En una entrevista de TV, uno de los productores, declaró que muchos de los actores que completaban el reparto habían tenido relaciones con la Mafia, y que en algunos momentos del rodaje se produjeron situaciones bastante violentas.

- Mario Puzo (autor) y Francis Ford Coppola (director) deliberadamente eliminaron del guión todas las referencias a la palabra "Mafia''.

Cosas de la "familia"...